El Amante cumple 15 años y festeja en el Malba. Cada crítico eligió dos películas de la Filmoteca Buenos Aires, de más de 3200 largometrajes catalogados, de Fernando Martín Peña, y se proyectan en varios días y horarios (por fin!). Enjoy.
El crimen del señor Lange (1936)
de Jean Renoir. 80'.
Viernes 15 de junio a las 18.30
Domingo 17 de junio a las 13.30
Viernes 22 de junio a las 14.00
La gran ilusión (1937)
de Jean Renoir. 117'.
Domingo 17 de junio a las 15.10
Domingo 1 de julio a las 13.00
Conciencias muertas (1943)
de William Wellman. 75'.
Viernes 8 de junio a las 14.00
Viernes 29 de junio a las 20.00
Perfidia de mujer (1949)
de King Vidor. 97'.
Viernes 15 de junio a las 14.00
Cita en las estrellas (1949)
de Carlos Schlieper. 85'.
Domingo 10 de junio a las 15.30
Sábado 16 de junio a las 13.00
Esposa último modelo (1950)
de Carlos Schlieper. 86'.
Sábado 16 de junio a las 14.20
Cuando besa mi marido (1950)
de Carlos Schlieper. 69'.
Jueves 7 de junio a las 18.30
Sábado 16 de junio a las 15.40
Corona de estrellas (1950)
de Jacques Tourneur. 89'.
Jueves 21 de junio a las 22.00
Viernes 22 de junio a las 20.00
Página negra (1952)
de Phil Karlson. 1952'.
Viernes 8 de junio a las 22.00
El hombre quieto (1952)
de John Ford. 129'.
Jueves 28 de junio a las 18.30
El angel blanco (1955)
de Raffaello Mattarazzo. 100'.
Viernes 15 de junio a las 16.00
La flor de la mafia (1958)
de Nicholas Ray. 99'.
Jueves 21 de junio a las 20.00
Sábado 23 de junio a las 15.00
Mamma Roma (1962)
de Pier Paolo Pasolini. 110'.
Jueves 7 de junio a las 22.00
Sábado 9 de junio a las 14.00
Tierra en trance (1967)
de Glauber Rocha. 106'.
Jueves 7 de junio a las 20.00
Domingo 10 de junio a las 22.00
Hermanas diabólicas (1973)
de Brian de Palma. 92'.
Viernes 15 de junio a las 23.55
Luna de papel (1973)
de Peter Bogdanovich. 103'.
Domingo 10 de junio a las 13.30
Viernes 22 de junio a las 18.30
Dark Star (1974)
de John Carpenter. 83'.
Sábado 9 de junio a las 22.00
Sábado 23 de junio a las 23.55
El tirador (1976)
de Don Siegel. 100'.
Jueves 28 de junio a las 22.00
Polyester (1981)
de John Waters. 86'.
Viernes 29 de junio a las 23.55
Sábado 30 de junio a las 23.55
Aullidos (1981)
de Joe Dante. 91'.
Sábado 16 de junio a las 23.55
Viernes 22 de junio a las 23.55
Christine (1983)
de John Carpenter. 111'.
Sábado 9 de junio a las 23.55
Confidencialmente tuya (1983)
de François Truffaut. 110'.
Domingo 17 de junio a las 22.00
Viernes 22 de junio a las 16.00
Domingo 1 de julio a las 15.00
Beetle Juice (1988)
de Tim Burton. 92'.
Jueves 7 de junio a las 16.00
Viernes 8 de junio a las 23.55
Corazón salvaje (1990)
de David Lynch. 127'.
Domingo 24 de junio a las 22.00
Domingo 1 de julio a las 22.00
Testigo fatal (1990)
de Kathryn Bigelow. 102'.
Domingo 24 de junio a las 13.30
El rey de Nueva York (1990)
de Abel Ferrara. 103'.
Domingo 24 de junio a las 15.15
El hombre de Arán (1934)
de Robert flaherty. 76'.
Jueves 21 de junio a las 18.30
Viernes 29 de junio a las 18.30
lunes, 4 de junio de 2007
domingo, 3 de junio de 2007
CICLO : RAINER WERNER FASSBINDER
25 AÑOS SIN 13 LUNAS
Función especial
Jueves 7 de Junio 2007
EL ASADO DE SATAN
Viernes 8 de Junio 2007
KATZELMACHER
Viernes 15 de Junio 2007
EL AMOR ES MAS FRIO QUE LA MUERTE
Viernes 22 de Junio 2007
EL FRUTERO DE LAS CUATRO ESTACIONES
Viernes 29 de Junio 2007
LA LIBERTAD DE BREMEN
LAS FUNCIONES SON A LAS 20.45 Hs.
-----
EL ASADO DE SATAN
*con: Kurt Raab, Margir Cartensen, Helen Vita, Volker Spengler, Ingrid Caven, Marquand Bohm, Ulli Lommel, Peter Chatel Vitus Zeplichal, Brigitte Mira, Katharina Buchhammer, Armin Meier .
*Duración original: 112 minutos. *Origen: Alemania. *Año: 1976. *Procedencia: Goethe Institut
(...)Fassbinder tenía cierta afinidad con Antonin Artaud, padre del Teatro de la Crueldad. El asado de Satán comienza con una cita de un poema de Artaud:
La diferencia entre los paganos y nosotros es que en el origen de todas sus creencias existe el tremendo esfuerzo de no pensar como hombres para permanecer en contacto con la totalidad de la creación, lo cual significa lo divino.
Mucho antes de establecer los planteamientos del Teatro de la Crueldad, Artaud abogaba ya por una inmediatez de comunicación que no tenía nada que ver con el estado consciente o con las palabras. Debía darse “una especie de intercomunicación magnética entre los espíritus del autor y del director”. A su manera, Fassbinder creó en su cine un Teatro de la Crueldad, utilizando para ello esa intercomunicación verbal que lograba establecer. Ulli Lommel, que entre 1969 y 1976 actuó en varias de sus películas, hablaba con admiración de “el campo magnético comunitario en el que entramos juntos y donde, bajo determinadas circunstancias, puede llegar a darse algo que es más bello que la vida”. Como director, Artaud nunca logró llevar a buen término sus planteamientos porque no tenía el toque adecuado con los actores. Fassbinder sí lo tenía.(...)
KATZELMACHER
con: Hanna Schygulla , Lilith Ungerer , Elga Sorbas , Doris Mattes , R.W.F. , Rudolf Walremar Brem , Hans Hirschmüller
*Duración original: 88 minutos. *Origen: Alemania. *Año: 1969. *Procedencia: Instituto Goethe.
(...) Fassbinder sigue de cerca el prejuicio a medida que se va manifestando y hasta el momento en que deja de ser palabras injuriosas para hablar el lenguaje de los golpes. El clan sólo acepta al griego cuando los jóvenes han saciado su odio y Jorgos ingresa por lo tanto en el círculo de los humillados... Siempre es satisfactorio para los explotados saber que existe gente que esta aun peor.
En la medida en que Fassbinder nos muestra los márgenes inferiores de nuestra sociedad que nuestra mirada ha ignorado, su película se vuelve en descubrimiento tanto de su potencial artístico como de nuestra propia ceguera.
En Katzelmacher quisimos ofrecer la posibilidad de una especie de actitud alternativa por medio del estilo de la película, y en el por que de la locura del Sr. R lo intentamos por medio del color: buscamos que los espectadores entiendan el contenido y que vean que está relacionado con ellos, mientras, al mismo tiempo, mantengan un cierto distanciamiento en virtud de la forma, una distancia que les permita respetar lo que ven. Creo que realmente es posible crear, por medio de recursos estilísticos, el distanciamiento necesario para esta clase de películas (...)
EL AMOR ES MAS FRIO QUE LA MUERTE
*con: Ulli Lommel , Hanna Schygulla , Rainer Werner Fassbinder , Hans Hirschmüller
*Duración original: 88 minutos. *Origen: Alemania. *Año: 1969. *Procedencia: Instituto Goethe.
(...) En su primer largometraje, El amor es más frío que la muerte, el personaje que Fassbinder interpreta, Franz, vive con una prostituita, Joanna, que accede incondicionalmente a todo lo que él le pide, aun cuando se trate de acostarse con un amigo de Franz, Bruno, a quién éste invita a dormir con ella. Transcribiendo muy atinadamente su propia experiencia, Fassbinder implanta esta vez escrúpulos burgueses y ansias de posesión en la chica, que, según él, "está aun más dominada que los demás por sus prejuicios de burguesa, a pesar de su profesión, ya que quiere salvar su relación con Franz haciendo de fulana para él e incluso traicionando a Bruno al denunciar a la policía el robo que éste ha cometido. Prefiere estar sola que compartir a Franz con Bruno". La película se rodó en el año siguiente a las revueltas estudiantiles de 1968, que habían alentado a Fassbinder a creer en las comunas y en la colectividad como una alternativa a las convenciones de decencia y a la propiedad individual.
(...), Fassbinder era capaz de responder a una demostración de odio como si le estuvieran tratando con el mayor afecto. Esto fue lo que ocurrió en el Zoopalast de Berlín tras la proyección de su película El amor es más frío que la muerte (1969), durante el festival cinematográfico de dicha ciudad. Cuando Fassbinder apareció en el escenario el público le abucheó, pero él, uniendo ambas manos por encima de la cabeza, se paseó orgullosamente por el proscenio como si le estuvieran aclamando o como si estuviera gozando de su impopularidad. Por lo menos había logrado suscitar una reacción energéticamente emocional (...)
EL FRUTERO DE LAS CUATRO ESTACIONES
*con: Hans Hirschmüller, Irm Hermann, Hanna Schygulla, Andrea Schober, Gusti Kreissl, Heide Simon, Kurt Raab, Klaus Löitsch, Karl Scheydt , Ingrid Caven.
*Duración original: 89 minutos. *Origen: Alemania. *Año: 1972. *Procedencia: Instituto Goethe.
Esta película todavía está inmersa en esta temática de la imposibilidad de superación de la ideología por el individuo. Pero tal vez por primera vez en la obra de Fassbinder, articula el problema de la no-comunicación en términos de clase. Aunque antes habría que definir la clase social como el lugar imaginario, y no descrito, no expresado en imágenes, en el seno del cual evolucionan unos personajes, que pertenecen a unas clases sociales que llevarán al pobre vendedor ambulante a un suicidio voluntario y público, tienen como punto en común ser mujeres.
De ello no habría que deducir que la historia contada por Fassbinder puede ser leída de una manera sociológica o de una manera psicológica. Si en efecto, es admirable que los personajes representados tropiecen con diferentes categorías, no es admisible que nosotros les juzguemos según esas mismas categorías.
LA LIBERTAD DE BREMEN
*con: Margit Carstensenhe), Ulli Lommel, Wolfagang Schenck, Walter Seydmayr, Wolfgang Kieling , Rudolf Waldemar Brem,
Kurt Raab, Fritz Schediwy, Hanna Schygula, R.W.F., Lilo Pempeit.
*Duración original: 87 minutos. *Origen: Alemania. *Año: 1972. *Procedencia: Instituto Goethe.
Evidentemente La libertad de Bremen no es una simple obra sobre la emancipación, sino que también se dirige contra la clase de emancipación que normalmente se practica. Por otra parte, considero que el asesinato que cometen tanto Geesche como Whity representa en realidad el intento de resistencia de los oprimidos. Sólo que no es la manera adecuada, y es aquí donde hay que esclarecer a la gente para mostrarle cómo resistir sin terminar en el desierto.
Más allá de cualquier planteamiento moral fácilmente descalificador o redentorista, su interés es mostrar el asesinato como otro camino que posibilita la liberación femenina y la asunción plena de la protagonista como mujer. Pese a ser una elección fatal era la única posible en el caso de Geesche, siempre en sintonía con la idea reiterada por Fassbinder de la necesaria rebelión del oprimido para recuperar su espacio moral y su dignidad, aunque sean gestos finales y efímeros.
Entrada: $5 o abono para cinco funciones $20.
INFORMES Y ATENCION: Lunes a Viernes de 16 a 20 hs.
BOULOGNE SUR MER 549 (teatro IFT) - Tel. 4963-7591
cinetecavida@leedor.com - www.leedor.com/cinetecavida
25 AÑOS SIN 13 LUNAS
Función especial
Jueves 7 de Junio 2007
EL ASADO DE SATAN
Viernes 8 de Junio 2007
KATZELMACHER
Viernes 15 de Junio 2007
EL AMOR ES MAS FRIO QUE LA MUERTE
Viernes 22 de Junio 2007
EL FRUTERO DE LAS CUATRO ESTACIONES
Viernes 29 de Junio 2007
LA LIBERTAD DE BREMEN
LAS FUNCIONES SON A LAS 20.45 Hs.
-----
EL ASADO DE SATAN
*con: Kurt Raab, Margir Cartensen, Helen Vita, Volker Spengler, Ingrid Caven, Marquand Bohm, Ulli Lommel, Peter Chatel Vitus Zeplichal, Brigitte Mira, Katharina Buchhammer, Armin Meier .
*Duración original: 112 minutos. *Origen: Alemania. *Año: 1976. *Procedencia: Goethe Institut
(...)Fassbinder tenía cierta afinidad con Antonin Artaud, padre del Teatro de la Crueldad. El asado de Satán comienza con una cita de un poema de Artaud:
La diferencia entre los paganos y nosotros es que en el origen de todas sus creencias existe el tremendo esfuerzo de no pensar como hombres para permanecer en contacto con la totalidad de la creación, lo cual significa lo divino.
Mucho antes de establecer los planteamientos del Teatro de la Crueldad, Artaud abogaba ya por una inmediatez de comunicación que no tenía nada que ver con el estado consciente o con las palabras. Debía darse “una especie de intercomunicación magnética entre los espíritus del autor y del director”. A su manera, Fassbinder creó en su cine un Teatro de la Crueldad, utilizando para ello esa intercomunicación verbal que lograba establecer. Ulli Lommel, que entre 1969 y 1976 actuó en varias de sus películas, hablaba con admiración de “el campo magnético comunitario en el que entramos juntos y donde, bajo determinadas circunstancias, puede llegar a darse algo que es más bello que la vida”. Como director, Artaud nunca logró llevar a buen término sus planteamientos porque no tenía el toque adecuado con los actores. Fassbinder sí lo tenía.(...)
KATZELMACHER
con: Hanna Schygulla , Lilith Ungerer , Elga Sorbas , Doris Mattes , R.W.F. , Rudolf Walremar Brem , Hans Hirschmüller
*Duración original: 88 minutos. *Origen: Alemania. *Año: 1969. *Procedencia: Instituto Goethe.
(...) Fassbinder sigue de cerca el prejuicio a medida que se va manifestando y hasta el momento en que deja de ser palabras injuriosas para hablar el lenguaje de los golpes. El clan sólo acepta al griego cuando los jóvenes han saciado su odio y Jorgos ingresa por lo tanto en el círculo de los humillados... Siempre es satisfactorio para los explotados saber que existe gente que esta aun peor.
En la medida en que Fassbinder nos muestra los márgenes inferiores de nuestra sociedad que nuestra mirada ha ignorado, su película se vuelve en descubrimiento tanto de su potencial artístico como de nuestra propia ceguera.
En Katzelmacher quisimos ofrecer la posibilidad de una especie de actitud alternativa por medio del estilo de la película, y en el por que de la locura del Sr. R lo intentamos por medio del color: buscamos que los espectadores entiendan el contenido y que vean que está relacionado con ellos, mientras, al mismo tiempo, mantengan un cierto distanciamiento en virtud de la forma, una distancia que les permita respetar lo que ven. Creo que realmente es posible crear, por medio de recursos estilísticos, el distanciamiento necesario para esta clase de películas (...)
EL AMOR ES MAS FRIO QUE LA MUERTE
*con: Ulli Lommel , Hanna Schygulla , Rainer Werner Fassbinder , Hans Hirschmüller
*Duración original: 88 minutos. *Origen: Alemania. *Año: 1969. *Procedencia: Instituto Goethe.
(...) En su primer largometraje, El amor es más frío que la muerte, el personaje que Fassbinder interpreta, Franz, vive con una prostituita, Joanna, que accede incondicionalmente a todo lo que él le pide, aun cuando se trate de acostarse con un amigo de Franz, Bruno, a quién éste invita a dormir con ella. Transcribiendo muy atinadamente su propia experiencia, Fassbinder implanta esta vez escrúpulos burgueses y ansias de posesión en la chica, que, según él, "está aun más dominada que los demás por sus prejuicios de burguesa, a pesar de su profesión, ya que quiere salvar su relación con Franz haciendo de fulana para él e incluso traicionando a Bruno al denunciar a la policía el robo que éste ha cometido. Prefiere estar sola que compartir a Franz con Bruno". La película se rodó en el año siguiente a las revueltas estudiantiles de 1968, que habían alentado a Fassbinder a creer en las comunas y en la colectividad como una alternativa a las convenciones de decencia y a la propiedad individual.
(...), Fassbinder era capaz de responder a una demostración de odio como si le estuvieran tratando con el mayor afecto. Esto fue lo que ocurrió en el Zoopalast de Berlín tras la proyección de su película El amor es más frío que la muerte (1969), durante el festival cinematográfico de dicha ciudad. Cuando Fassbinder apareció en el escenario el público le abucheó, pero él, uniendo ambas manos por encima de la cabeza, se paseó orgullosamente por el proscenio como si le estuvieran aclamando o como si estuviera gozando de su impopularidad. Por lo menos había logrado suscitar una reacción energéticamente emocional (...)
EL FRUTERO DE LAS CUATRO ESTACIONES
*con: Hans Hirschmüller, Irm Hermann, Hanna Schygulla, Andrea Schober, Gusti Kreissl, Heide Simon, Kurt Raab, Klaus Löitsch, Karl Scheydt , Ingrid Caven.
*Duración original: 89 minutos. *Origen: Alemania. *Año: 1972. *Procedencia: Instituto Goethe.
Esta película todavía está inmersa en esta temática de la imposibilidad de superación de la ideología por el individuo. Pero tal vez por primera vez en la obra de Fassbinder, articula el problema de la no-comunicación en términos de clase. Aunque antes habría que definir la clase social como el lugar imaginario, y no descrito, no expresado en imágenes, en el seno del cual evolucionan unos personajes, que pertenecen a unas clases sociales que llevarán al pobre vendedor ambulante a un suicidio voluntario y público, tienen como punto en común ser mujeres.
De ello no habría que deducir que la historia contada por Fassbinder puede ser leída de una manera sociológica o de una manera psicológica. Si en efecto, es admirable que los personajes representados tropiecen con diferentes categorías, no es admisible que nosotros les juzguemos según esas mismas categorías.
LA LIBERTAD DE BREMEN
*con: Margit Carstensenhe), Ulli Lommel, Wolfagang Schenck, Walter Seydmayr, Wolfgang Kieling , Rudolf Waldemar Brem,
Kurt Raab, Fritz Schediwy, Hanna Schygula, R.W.F., Lilo Pempeit.
*Duración original: 87 minutos. *Origen: Alemania. *Año: 1972. *Procedencia: Instituto Goethe.
Evidentemente La libertad de Bremen no es una simple obra sobre la emancipación, sino que también se dirige contra la clase de emancipación que normalmente se practica. Por otra parte, considero que el asesinato que cometen tanto Geesche como Whity representa en realidad el intento de resistencia de los oprimidos. Sólo que no es la manera adecuada, y es aquí donde hay que esclarecer a la gente para mostrarle cómo resistir sin terminar en el desierto.
Más allá de cualquier planteamiento moral fácilmente descalificador o redentorista, su interés es mostrar el asesinato como otro camino que posibilita la liberación femenina y la asunción plena de la protagonista como mujer. Pese a ser una elección fatal era la única posible en el caso de Geesche, siempre en sintonía con la idea reiterada por Fassbinder de la necesaria rebelión del oprimido para recuperar su espacio moral y su dignidad, aunque sean gestos finales y efímeros.
Entrada: $5 o abono para cinco funciones $20.
INFORMES Y ATENCION: Lunes a Viernes de 16 a 20 hs.
BOULOGNE SUR MER 549 (teatro IFT) - Tel. 4963-7591
cinetecavida@leedor.com - www.leedor.com/cinetecavida
jueves, 31 de mayo de 2007
Ciclo: La Nouvelle Vague y sus protagonistas
François Truffaut: La Crítica y su espíritu
Del 1 al 30 de junio a las 20 hs en el Centro Cultural Borges (Galerías Pacífico).
1, 2 y 3
de junio
20 hs.
Los cuatrocientos golpes (Les 400 Coups)·
1959
Guión: François Truffaut y Marcel Moussy. Dur. 94´
5, 6 y 7
de junio
20 hs.
Disparen sobre el pianista (Tirez sur le pianiste)·
1960
Guión: François Truffaut y Marcel Moussy. Dur. 85´
8, 9 y 10
de junio
20 hs.
Jules et Jim (Jules et Jim)·
1961
Guión: François Truffaut y Jean Gruault. Dur. 105´
11, 12 y 13
de junio
20 hs.
Farenheit 451 (Farenheit 451)·
1966
Guión: François Truffaut y Jean-Louis Richard. Dur. 110´
14, 15 y 16
de junio
20 hs.
La Sirena del Mississippi (La sirene du Mississippi)·
1968
Guión: François Truffaut. Dur. 123´
17, 18 y 19
de junio
20 hs.
El niño salvaje (L'enfant sauvage)·
1969
Guión: François Truffaut y Jean Gruault. Dur. 83´
20, 21 y 22
de junio
20 hs.
Las dos inglesas (Les deux anglaises et le continent)·
1971
Guión: François Truffaut y Jean Gruault. Dur. 90´
23, 24 y 25
de junio
20 hs.
La noche americana (La nuit americaine)·
1973
Guión: François Truffaut, Jean-Louis Richard y Suzanne Schiffman. Dur. 115´
26, 27 y 28
de junio
20 hs.
El último subte (Le dernière metro)·
1980
Guión: François Truffaut y Suzanne Schiffman. Dur. 128´
29 y 30
de junio
20 hs.
La mujer de la próxima puerta (La femme d'â côté)·
1981
Guión: François Truffaut, Suzanne Schiffman y Jean Aurel. Dur. 106´
Entrada general: $ 6.-
Del 1 al 30 de junio a las 20 hs en el Centro Cultural Borges (Galerías Pacífico).
1, 2 y 3
de junio
20 hs.
Los cuatrocientos golpes (Les 400 Coups)·
1959
Guión: François Truffaut y Marcel Moussy. Dur. 94´
5, 6 y 7
de junio
20 hs.
Disparen sobre el pianista (Tirez sur le pianiste)·
1960
Guión: François Truffaut y Marcel Moussy. Dur. 85´
8, 9 y 10
de junio
20 hs.
Jules et Jim (Jules et Jim)·
1961
Guión: François Truffaut y Jean Gruault. Dur. 105´
11, 12 y 13
de junio
20 hs.
Farenheit 451 (Farenheit 451)·
1966
Guión: François Truffaut y Jean-Louis Richard. Dur. 110´
14, 15 y 16
de junio
20 hs.
La Sirena del Mississippi (La sirene du Mississippi)·
1968
Guión: François Truffaut. Dur. 123´
17, 18 y 19
de junio
20 hs.
El niño salvaje (L'enfant sauvage)·
1969
Guión: François Truffaut y Jean Gruault. Dur. 83´
20, 21 y 22
de junio
20 hs.
Las dos inglesas (Les deux anglaises et le continent)·
1971
Guión: François Truffaut y Jean Gruault. Dur. 90´
23, 24 y 25
de junio
20 hs.
La noche americana (La nuit americaine)·
1973
Guión: François Truffaut, Jean-Louis Richard y Suzanne Schiffman. Dur. 115´
26, 27 y 28
de junio
20 hs.
El último subte (Le dernière metro)·
1980
Guión: François Truffaut y Suzanne Schiffman. Dur. 128´
29 y 30
de junio
20 hs.
La mujer de la próxima puerta (La femme d'â côté)·
1981
Guión: François Truffaut, Suzanne Schiffman y Jean Aurel. Dur. 106´
Entrada general: $ 6.-
miércoles, 16 de mayo de 2007
Ciclo Teatro IFT - Cineteca Vida
CICLO KRZYSZTOF ZANUSSI
AL ENTORNO DE LA ETICA
INFORMES Y ATENCION: Lunes a Viernes de 16 a 20 hs.
BOULOGNE SUR MER 549 (teatro IFT) - Tel. 4963-7591
cinetecavida@leedor.com - www.leedor.com/cinetecavida
Viernes 18 de Mayo de 2007 a las 21.15 hs.
V I D A F A M I L I A R
(ZYCIE RODZINNE)
*Dirección: KRZYSZTOF ZANUSSI *Guión: Krzysztof Zanussi. *Fotografía: Witold Sobocinski. *Escenografía: Tadeusz Wybult. *Música: Wojciech Kilar. *Intérpretes: Daniel Olbrychski (el hijo), Jan Kerczmar (el padre), Maja Komorowska (la hija), Jan Nowicki (el amigo), Halina Mijolaska (la tía). *Formato original: 35 mm *Formato de proyección: 16 mm. *Procedimiento: B y N. *Duración: 90 minutos *Origen: Polonia. *Año: 1971. *Procedencia: FCV.
En una primera visión, este film del notable director polaco Krzysztof Zanussi es una alegoría clara y sin esquematismos fáciles del conflicto entre dos generaciones, la de preguerra y la actual reunidas en una misma familia. Son dos épocas, dos mundos ya distanciados por la estructura social y económica. No es sin embargo una obra política, ni siquiera una exposición de ideológicas contrapuestas. Vida familiar es ante todo, una poética y crepuscular reflexión sobre el tiempo. Un tiempo irreversible, imposible de fijar, pero que persiste en sus raíces desgarradas.
El protagonista, es un joven científico que vive un presente razonable, sin aparentes conflictos. Un llamado telefónico lo arranca de ese mundo sin recuerdos, blanco y exacto como sus mesas de dibujo, anunciándole una grave enfermedad de su padre. Regresa así a la vieja casa familiar, una ruina patética donde su padre y su hermana viven casi miserablemente entre los restos de antiguos esplendores... AGUSTÍN MAHIEU. LA OPINIÓN. (Octubre 1974)
EL CICLO seguirá:
Viernes 25 de Mayo a las 21.15 hs. - LA ESTRUCTURA DE CRISTAL
Viernes 1° de Junio a las 21.15 hs. - EL FACTOR CONSTANTE
AL ENTORNO DE LA ETICA
INFORMES Y ATENCION: Lunes a Viernes de 16 a 20 hs.
BOULOGNE SUR MER 549 (teatro IFT) - Tel. 4963-7591
cinetecavida@leedor.com - www.leedor.com/cinetecavida
Viernes 18 de Mayo de 2007 a las 21.15 hs.
V I D A F A M I L I A R
(ZYCIE RODZINNE)
*Dirección: KRZYSZTOF ZANUSSI *Guión: Krzysztof Zanussi. *Fotografía: Witold Sobocinski. *Escenografía: Tadeusz Wybult. *Música: Wojciech Kilar. *Intérpretes: Daniel Olbrychski (el hijo), Jan Kerczmar (el padre), Maja Komorowska (la hija), Jan Nowicki (el amigo), Halina Mijolaska (la tía). *Formato original: 35 mm *Formato de proyección: 16 mm. *Procedimiento: B y N. *Duración: 90 minutos *Origen: Polonia. *Año: 1971. *Procedencia: FCV.
En una primera visión, este film del notable director polaco Krzysztof Zanussi es una alegoría clara y sin esquematismos fáciles del conflicto entre dos generaciones, la de preguerra y la actual reunidas en una misma familia. Son dos épocas, dos mundos ya distanciados por la estructura social y económica. No es sin embargo una obra política, ni siquiera una exposición de ideológicas contrapuestas. Vida familiar es ante todo, una poética y crepuscular reflexión sobre el tiempo. Un tiempo irreversible, imposible de fijar, pero que persiste en sus raíces desgarradas.
El protagonista, es un joven científico que vive un presente razonable, sin aparentes conflictos. Un llamado telefónico lo arranca de ese mundo sin recuerdos, blanco y exacto como sus mesas de dibujo, anunciándole una grave enfermedad de su padre. Regresa así a la vieja casa familiar, una ruina patética donde su padre y su hermana viven casi miserablemente entre los restos de antiguos esplendores... AGUSTÍN MAHIEU. LA OPINIÓN. (Octubre 1974)
EL CICLO seguirá:
Viernes 25 de Mayo a las 21.15 hs. - LA ESTRUCTURA DE CRISTAL
Viernes 1° de Junio a las 21.15 hs. - EL FACTOR CONSTANTE
60 años del Festival de Cannes
Dice el Teatro San Martín:
"53 films que fueron hitos de Cannes y que confirman al festival francés como la más importante manifestación cinematográfica internacional. Desde el neorrealismo italiano hasta el nuevo cine alemán pasando por la nouvelle vague, todos los grandes movimientos del cine mundial tuvieron su eclosión en Cannes, a su vez plataforma de lanzamiento de grandes cineastas como Luis Buñuel, Ingmar Bergman, Alain Resnais, Werner Herzog, Shohei Imamura, Ermanno Olmi, Takeshi Kitano, Andrei Tarkovski y Wong Kar-wai, entre muchos otros."
El ciclo dura del 12 al 10 de Junio y las entradas cuestan $3 para estudiantes y la programación es buenísima. Dos pelis por día, una a las 17 y 22, y la otra a las 19.30. Vayan porque es una oportunidad única de ver clásicos en cine (excelennnte).
***AVISO IMPORTANTE***
Para poder sacar a precio de estudiantes hay que tener una credencial (maldita burocracia) que se retira de 10 a 16 en el CUARTO PISO DEL TEATRO SAN MARTÍN.
Sábado 12
A las 14.30 horas (104’; dvd)
En el corazon del festival
(Au Coeur du Festival; Francia, 2004)
Dirección: Gilles Jacob.
Cannes levanta el telón sobre su trastienda y sus secretos en un documento excepcional: tres mediometrajes dirigidos por Gilles Jacob, el presidente de la muestra, que recorren su historia con un elenco incomparable que va de Brigitte Bardot a Madonna pasando por Grace Kelly, Catherine Deneuve, Cary Grant, Ingrid Bergman, Jean-Pierre Léaud y Alain Delon, entre centenares de estrellas. Y la palabra y la imagen de Jean-Luc Godard, François Truffaut, Alfred Hitchcock, Charles Chaplin, Michelangelo Antonioni, Robert Bresson, Federico Fellini, Andrei Tarkovski, Roman Polanski, Marco Ferreri, Wong Kar Wai y decenas de grandes directores que pasaron por el festival.
A las 17 horas (100’;16mm.)
Roma, ciudad abierta
(Roma, città aperta, Italia, 1945)
Dirección: Roberto Rossellini.
Con Anna Magnani, Aldo Fabrizi.
El despertar del neorrealismo italiano, en la inmediata posguerra, presentó su película emblemática y film-faro del movimiento en la primera edición del Festival de Cannes, donde obtuvo en 1946 el Gran Premio del Jurado. Un film clave en la historia del cine.
A las 19.30 y 22 horas (85’; 35mm.)
Los olvidados
(México, 1950)
Dirección: Luis Buñuel.
Con Stella Inda, Alfonso Mejía, Miguel Inclán.
En el D.F. mexicano de los años 50, El Jaibo, un adolescente de los barrios bajos, vive una existencia marcada por la miseria y la falta de perspectivas. Junto a otros muchachos vive de pequeños asaltos hasta que un crimen cambia para siempre su vida. “La grandeza de esta película se percibe inmediatamente cuando caemos en la cuenta de que no se refiere nunca a categorías sociales.”
(André Bazin). Premio al Mejor Director en 1951.
Domingo 13
A las 14.30 horas (104’; dvd)
En el corazon del festival
(Au Coeur du Festival; Francia, 2004)
Dirección: Gilles Jacob.
A las 17 horas (90’; 35mm.)
Milagro en Milan
(Miracolo a Milano, Italia, 1951)
Dirección: Vittorio De Sica.
Con Emma Gramatica, Francesco Golisano, Paolo Stoppa.
Otro de los padres fundadores del neorrealismo italiano, Vittorio De Sica, gastó todo el dinero ganado con Ladrón de bicicletas para producir esta fábula poética sobre los pobres habitantes de un barrio periférico de Milán, que ganó el Gran Premio del Jurado en 1951.
A las 19.30 y 22 horas (97’; 35mm.)
Pasaron las grullas
(Letyat zhuravli, URSS, 1957)
Dirección: Mijaíl Kalatozov.
Con Tatiana Samoilova, Aleksei Batalov, Vasili Merkuriev.
Una feliz historia de amor se ve interrumpida por el estallido de la guerra y sus consecuencias en el frente interno: mercado negro, corrupción. De una belleza y una calidad técnica excepcional, la obra maestra del director de Soy Cuba es la primera película post-estalinista en la que la autocrítica es mostrada claramente. Palma de Oro 1958.
Lunes 14 No hay función
Martes 15
A las 17 y 22 horas (110’; 35mm).
El salario del miedo
(Le salaire de la peur, Francia, 1953)
Dirección: Henri-Georges Clouzot.
Con Yves Montand, Charles Vanel, Folco Lulli.
La aventura en estado puro. Un grupo de marginales debe transportar un convoy de camiones repletos de nitroglicerina por la ruta más peligrosa del mundo.
Gran Premio del Jurado y Mención Especial por su actuación a Charles Vanel.
A las 19.30 horas (100’; 16mm.)
Sangre de mi sangre
(House of strangers, EE.UU. 1949)
Dirección: Joseph L. Mankiewicz.
Con Edward G. Robinson, Susan Hayward.
Uno de los títulos menos conocidos de Joseph L. Mankiewicz, Sangre de mi sangre se acerca a un tema caro al cine estadounidense: el american dream y sus consecuencias afectivas en el seno de una familia de inmigrantes italianos.
Premio a la Interpretación Masculina para Edward G. Robinson.
Miércoles 16
A las 17 y 22 horas (96’; 35mm.)
El septimo sello
(Det Sjunde inseglet; Suecia, 1956)
Dirección: Ingmar Bergman.
Con Max von Sydow, Gunnar Björnstrand, Bibi Andersson.
El caballero sueco Antonius Block y su leal escudero regresan a su país, tras diez años de inútiles combates en las Cruzadas por Tierra Santa. Antes de morir, el caballero reta a la Muerte a una partida de ajedrez. Consagración de Bergman en Cannes, donde obtuvo el Premio Especial del Jurado en 1957.
A las 19.30 horas (100’; 16mm.)
Sonrisas de una noche de verano
(Sommarnattens leende; Suecia,1955)
Dirección: Ingmar Bergman.
Con Eva Dahlbeck, Gunnar Björnstrand, Ulla Jacobsson.
Bergman explora la gama completa del amor humano desde la adoración juvenil a la benevolencia fraternal, desde la pasión neurótica y vengativa a la fácil indulgencia de los apetitos, desde los caprichos infantiles a la resignación de la madurez.
Premio al Mejor Humor Poético 1956.
Jueves 17
A las 17 y 22 horas (90’; 35mm.)
Hiroshima mon amour
(Hiroshima mon amour, Francia, 1958)
Dirección: Alain Resnais.
Con Emmanuelle Riva, Eiji Okada, Stella Dassas.
Una francesa, que está filmando una película en Hiroshima, pasa la noche con un arquitecto japonés. La situación le recuerda al primer hombre que amó, un soldado alemán, durante la Segunda Guerra Mundial.
“Si solo se trata, como dice René Clair, de ‘contar una historia mediante imágenes’, una vez contadas todas las historias, el arte de la puesta en escena no puede evolucionar más. Pero si se trata de liberar al cine de esa necesidad, entonces queda todo por hacer y Resnais dio un gran paso con Hiroshima mon amour, una película sin argumento, emotiva y bella” (François Truffaut).
A las 19.30 horas (90’; 16mm.)
Los 400 golpes
(Les 400 coups, Francia, 1959)
Dirección: François Truffaut.
Con Jean-Pierre Léaud, Albert Remy.
La nouvelle vague hace su ingreso triunfal al Festival de Cannes. “Con Los 400 Golpes, François Truffaut entra a la vez al cine moderno y a las aulas de nuestra infancia (…) Para resumir, ¿qué puedo decir? Sinceridad. Rapidez. Arte. Novedad. Cine. Originalidad. Impertinencia. Rigor. Tragedia. Renovación. Ubú Rey. Fantasía. Afecto. Universalidad. Ternura.” (Jean–Luc Godard).
Premio al Mejor Director y Premio OCIC.
Viernes 18
A las 17 y 22 horas (90’; 35mm)
Viridiana
(España, 1960)
Dirección: Luis Buñuel.
Con Silvia Pinal, Fernando Rey, Francisco Rabal.
“Como de costumbre, la idea del film me vino por una primera imagen. Pensé en un hombre de edad avanzada que tenía entre sus manos a una joven narcotizada, completamente dormida, incapaz de resistírsele” (Luis Buñuel). Palma de Oro 1961.
A las 19.30 horas (90’; 35mm.)
El angel exterminador
(México, 1962)
Dirección: Luis Buñuel.
Con Silvia Pinal, Jacqueline Andere.
Un grupo de amigos de la alta burguesía mexicana no puede abandonar – sin motivo aparente – un salón donde se desarrolla una cena. Después de unos días de insólito cautiverio, las máscaras irán cayendo y la formalidad dejará paso al instinto animal.
“Más que en el caso de cualquier otro realizador, los films de Luis Buñuel mejoran con cada revisión. No sólo no empequeñecen, sino que aumentan su misterio, se tornan más fuertes y precisos” .
(Jacques Rivette)
Sábado 19
A las 14.30 horas (91’; 16mm.)
La mano en la trampa
(Argentina, 1961)
Dirección: Leopoldo Torre Nilsson.
Con Francisco Rabal, Elsa Daniel, María Rosa Gallo.
La curiosidad de una jovencita acerca de su tía encerrada en el altillo y ante un playboy maduro que le hará revivir la historia de su vida. “Hay en Torre Nilsson y Beatriz Guido una suerte de familiaridad con el secuestro entendido como fenómeno social. Sus obras poseen densidad y peso. Tendrán en Europa, tarde o temprano, el lugar que merecen desde hace tiempo” (Georges Sadoul). Premio de la Crítica (Fipresci).
A las 17 horas (62’; 35mm.)
La pasajera
(Pasazerka, Polonia, 1963)
Dirección: Andrzej Munk.
Con Alexandra Slaka, Anna Ciepielewska.
Liza, ex vigilante de las SS, cree reconocer a una antigua detenida del campo de concentración. “Todo el carácter especulativo que encierra el propio montaje de la película, realizado cuando su director ya había muerto y sin que hubiese terminado de filmarla, ayuda a dar cuerpo a una época y a un acontecimiento de los cuales no se puede tener más que una idea fragmentaria y quebradiza” (Hilario J.Rodríguez).
Mención Especial del Jurado 1964.
A las 19.30 y 22 horas (100’; 35mm.)
El eclipse
(L’Eclisse; Italia/Francia, 1962)
Dirección: Michelangelo Antonioni
Con Alain Delon, Monica Vitti, Francisco Rabal.
Ambientada en una Roma desconocida, que compartirá protagonismo como el espejo emocional del personaje interpretado por Monica Vitti, Antonioni construye una película con los temas centrales de su obra: la incomunicación de la pareja y la soledad.
Premio Especial del Jurado 1962.
Domingo 20
A las 14.30 horas (90’; 35mm.)
Los paraguas de Cherburgo
(Les parapluies de Cherbourg, Francia, 1964)
Dirección: Jacques Demy.
Con Catherine Deneuve, Nino Castelnuovo.
“La música es el elemento importante, conmovedor, lírico de una película contra la guerra, contra la ausencia, contra todo lo que uno detesta y que hace pedazos la felicidad.” (Jacques Demy)
Palma de Oro y Premio OCIC.
A las 18 y 21 horas (130’; 35mm.)
Las mil y una noches
(Il Fiore delle mille e una notte, Italia/Francia; 1974)
Con Ninetto Davoli, Franco Merli, Ines Pellegrini.
“Última entrega de la Trilogía de la Vida, Las mil y una noches ofrece un suntuoso viaje a través de palacios enjoyados, bazares laberínticos y dormitorios espejados. Rodada en locación en Nepal, Irán, Yemen y Etiopía, el film es una celebración desembozada de los poderes libertarios de la sexualidad. Asimismo, será recordado en la historia del cine como la primera película cuyas escenas de carnalidad son acompañadas por el sonido inconfundible de la risa, sin culpas freudianas o religiosas que las sofoquen” (Tony Rayns).
Gran Premio del Jurado 1974.
Lunes 21
A las 17 y 22 horas (95’; 35 mm.)
La religiosa
(La religieuse, Francia, 1966)
Dirección: Jacques Rivette.
Con Liselotte Pulver, Micheline Presle, Anna Karina.
París, 1757. Una joven llamada Suzanne (Anna Karina), única hija soltera de un prominente abogado, es obligada a tomar los votos de castidad en un convento. Film polémico en el momento de su estreno por su claro anticlericalismo y fuerte crítica a la corrupción de la institución religiosa, Rivette entrega en su segundo largometraje una adaptación de la novela de Diderot que apunta sus armas contra la sociedad patriarcal y la represión institucional.
A las 19.30 horas (90’; 35mm.)
Vidas secas
(Vidas secas; Brasil, 1963)
Dirección: Nelson Pereira dos Santos.
Con Atilia Dorio, Maria Ribeiro.
Film clave del cinema novo, Vidas secas representa un paso fundamental en la conquista de la representación del hombre brasileño en la pantalla, de su situación social y moral. Basado en la novela de Graciliano Ramos, Pereira dos Santos – uno de los padres fundadores del llamado Nuevo Cine Latinoamericano – sigue el proceso de pauperización del Nordeste brasileño, encarnado en la familia de Fabiano, un agricultor analfabeto, acosado por el hambre y la miseria.
Premio OCIC 1963.
Martes 22
A las 17 y 22 horas (102’; 35mm.)
La marquesa de O
(Francia, 1976)
Dirección: Eric Rohmer.
Con Edith Clever, Bruno Ganz.
Siglo XIX, Norte de Italia. La marquesa de O es una hermosa y joven viuda que vive con sus padres. Durante el asedio de la ciudad por parte de las tropas rusas, la Marquesa sufre un intento de violación, pero es salvada por la intervención de un apuesto caballero. Meses después, inexplicablemente, está embarazada. “Uno de los films más hermosos de Rohmer.” (Jacques Rivette).Gran Premio del Jurado 1976.
A las 19.30 horas (90’; 16mm).
Mi noche con Maud
(Ma nuit chez maud, Francia; 1968)
Dirección: Eric Rohmer.
Con Jean-Louis Trintignant, Françoise Fabian, Antoine Vitez.
Jean-Louis, ingeniero católico de treinta años, conoce a la salida de misa a una mujer rubia, Françoise, y presiente que algún día será su mujer, pero la pierde entre la multitud. Tras reencontrarse con su viejo amigo Vidal, marxista convencido, éste lo lleva a casa de Maud, una bella morocha divorciada. El más famoso de los Seis Cuentos morales de Rohmer.
Miércoles 23
A las 17 y 22 horas (109’; 35mm).
El enigma de Kaspar Hauser
(Jeder für sich und Gott gegen alle, Alemania, 1974)
Dirección: Werner Herzog.
Con Bruno S., Walter Ladengast, Brigitte Mira.
“Hoy en día podría repetirse el caso de Kaspar, ya que seguimos viviendo en una sociedad burguesa semejante a la alemana de 1828. Esta sociedad no permitíría a Kaspar vivir en ella. Él sufriría el mismo calvario, los mismos padecimientos. Lo que tanto molesta a la gente de Kaspar es que sea un ser humano absolutamente intacto. Es como si un hombre hubiera llegado de otro planeta y aterrizado un día en la Tierra. ¿Qué clase de criatura sería?”. (Werner Herzog).
Gran Premio del Jurado y Premio de la Crítica 1975.
A las 19.30 horas (135’; 35mm.)
La flauta magica
(Trollflöjten; Suecia, 1974)
Dirección: Ingmar Bergman.
Con Joseph Köstingler, Irma Urrila.
“Dada la doble actividad de Bergman en los campos teatral y cinematográfico, era de esperar que en algún momento se decidiera a mezclar ambas disciplinas. La elección de Bergman para llevar a cabo este experimento no fue una obra de teatro al uso, sino una ópera. En cualquier caso, La flauta mágica es una obra de música alegre y desenfadada que parece ubicarse en el extremo opuesto de su cine, áspero, amargo y trascendente” (Alfredo Garmendia).
Jueves 24
A las 17 y 22 horas (104’; 35mm.)
El imperio de la pasion
(Ai no borei; Japón, 1978)
Dirección: Nagisa Oshima.
Con Tatsuya Fuji, Kazuko Yoshiyuji, Takahiro Tamura.
La hermosa Seki conoce un día a un apuesto joven llamado Toyoki. Con su ayuda mata a su marido y lo arroja a un pozo. Se han librado de este hombre pero no de su “fantasma”, quien no abandonará sus vidas hasta que confiesen su crimen. “El sexo y el crimen son los dos impulsos más violentos del ser humano.” (Nagisa Oshima).
Premio Mejor Director 1978.
A las 19.30 horas (110’; 35mm.)
Padre Padrone
(Padre padrone, Italia, 1976)
Dirección: Paolo y Vittorio Taviani.
Con Omero Antonutti, Saverio Marconi.
Una mirada crítica sobre la realidad a partir de la historia verídica de un campesino sardo que de niño debe sobreponerse a la brutalidad a la que lo somete su padre, y de adulto deberá abrirse camino por sí mismo en una sociedad en permanente cambio.
Palma de Oro 1976.
Viernes 25 No hay función
Sábado 26
A las 14.30 y 19.30 horas (250’; 35mm.)
Novecento
(Novecento, Italia, 1974-1975)
Dirección: Bernardo Bertolucci
Con Gérard Depardieu, Robert De Niro, Donald Sutherland.
La lucha de clases alcanza una dimensión operística en el film más ambicioso de Bertolucci, que propone un enfrentamiento épico entre una familia de terratenientes y otra de campesinos, a partir del despertar del siglo XX. Se exhibirá el film completo (partes Uno y Dos) en cada función.
Domingo 27
A las 14.30 y 19.30 horas (170’; 35mm.)
El Arbol de los zuecos
(L’albero degli zoccoli, Italia, 1978)
Dirección: Ermanno Olmi.
Con Luigi Ornaghi, Francesca Moriggi, Omar Brignoli.
Este bellísimo fresco de la vida campesina a comienzos del siglo XX describe la parábola de una sacrificada familia de labriegos que hace todo lo que está a su alcance para que uno de sus hijos tenga la posibilidad de estudiar.
Palma de Oro 1978 y Premio del Jurado Ecuménico.
Lunes 28
A las 17 y 22 horas (92’; 16mm.)
Relampago sobre el agua
(Nick’s Film – Lighting Over Water, Alemania, 1981)
Dirección: Wim Wenders y Nicholas Ray.
Wim Wenders conoció a Nicholas Ray en 1976, durante el rodaje de El Amigo Americano. “Sabía que quería trabajar y morir trabajando”, dice Wim Wenders en la película. Ray hace referencia a los distintos artistas que aparecieron en sus películas. Gracias a su colaboración con Wenders, Ray convirtió su muerte en una obra de arte.
A las 19.30 horas (130’; 35mm.)
El tambor
(Die Blechtrommel; Alemania/Francia, 1979)
Dirección: Volker Schlöndorff.
Con Mario Adorf, Angela Winkler, David Bennent.
Canónica versión de la novela El tambor de hojalata de Günther Grass. El niño Oskar decide dejar de crecer el mismo año en que comienza la curva ascendente de Hitler. Lo que el film expone metafóricamente del nazismo es su funcionamiento en la gente común, en esas fuerzas sociales que intervinieron en el ascenso y apogeo del Führer.
Palma de Oro 1979.
Martes 29
A las 17 horas (110’; 35mm.)
La tercera generacion
(Die dritte Generation, Alemania Federal, 1979)
Dirección: Rainer Werner Fassbinder.
Con Volker Spengler, Bulle Ogier.
“Una comedia en seis partes sobre los juegos de sociedad, llena de intriga, provocación y lógica, crueldad y locura, parecida a los cuentos que se cuentan a los niños para ayudarles a soportar su vida de enterrados vivos.” (R.W. Fassbinder).
A las 20 horas (160’; 35mm.)
Kagemusha, la sombra del guerrero
(Kagemusha, Japón, 1980)
Dirección: Akira Kurosawa.
Con Tatsuya Nakadai, Tsutomu Yamazaki.
Japón, Siglo XVI. Un ladrón, que estaba a punto de ser ejecutado, salva su vida convirtiéndose en el doble de un señor feudal que acaba de morir en secreto y cuyos dominios son amenazados. El gran Akira Kurosawa hace que esa sombra se agigante y termine encarnando al verdadero espíritu del Shogun.
Palma de Oro 1980.
Miércoles 30
A las 17 horas (150’; 35mm.)
Stalker, la zona
(URSS, 1979)
Dirección: Andrei Tarkovski.
Con Alexander Kaidanovski, Nikolai Grinko, Anatoli Solonitsin.
“Adaptando libremente una novela de ciencia ficción de los hermanos Strugatsky, Tarkovski imagina que al cabo de un accidente misterioso, una parte del planeta se ha vuelto distinta, peligrosa y que se impide su acceso. La zona es esta parte maldita, vuelta al estado salvaje, reserva de fantasmas (…) Stalker es una fábula metafísica, un curso moral, una lección de fe, una reflexión sobre los fines últimos, una búsqueda…”. (Serge Daney)
Premio del Jurado Ecuménico 1980.
A las 20 horas (128’; 35mm.)
La balada de Narayama
(Narayama bushiko, Japón, 1983)
Dirección: Shohei Imamura.
Con Ken Ogata, Sumiko Sakamoto.
Crudo relato de los campesinos olvidados por la civilización, representantes de un pasado atávico empeñado en subyacer por debajo de la ordenada superficie de una sociedad tecnocrática.
Palma de Oro 1983.
Jueves 31
A las 17 y 22 horas (90’, 35mm.)
Nouvelle vague
(Nouvelle vague, Francia, 1990)
Dirección: Jean-Luc Godard.
Con Alain Delon, Domiziana Giordano, Roland Amstutz.
Si, como dice Danièle Hibon, “el cine contemporáneo se encuentra aún en busca de una nueva relación entre la narración y la abstracción”, Nouvelle vague no hace sino llevar hasta las últimas consecuencias esa tensión todavía no resuelta. En un film que prácticamente no tiene historia en el sentido convencional del término, esa sucesión de monólogos que se dicen los personajes unos a otros adquieren valor no necesariamente como significado sino en todo caso como abstracción, como una nota musical.
A las 19.30 horas (120’, dvd)
Los silencios del palacio
(Samt el qusur; Túnez/Francia, 1994)
Dirección: Moufida Tlatli.
Con Amel Hedhili, Najia Ouerghi, Hend Sabri.
A los 25 años, la joven Alia está decidida a romper con todo. Con su trabajo como cantante de bodas y con su pareja, Lotfi, un hombre junto al que ha convivido diez años, pero que la obliga a deshacerse del hijo que espera. Encarada a una nueva situación, regresará a la memoria de su infancia, al palacio donde se crió junto a su madre, una sirvienta, y a la evocación de un padre desconocido, que bien pudiera ser el príncipe dueño de dicho palacio. Mención Especial de la Cámara de Oro 1994.
Viernes 1
A las 17 horas (141’, 35mm)
Secretos y mentiras
(Secrets & Lies, Reino Unido/Francia, 1996)
Dirección: Mike Leigh.
Con Brenda Blethyn, Timothy Spall, Phyllis Logan.
Al morir sus padres adoptivos, una joven negra de Londres siente la necesidad de conocer a su madre natural, quien la diera en adopción al nacer. Ésta resulta ser una mujer blanca, madre de otros dos hijos. Consagración del director británico Mike Leigh.
Palma de Oro 1996 y Premio Mejor Actriz a Brenda Blethyn.
A las 19.30 y 22 horas (94’; 35mm.)
Sonatine
(Sonachine; Japón, 1993)
Dirección: Takeshi Kitano.
Con Takeshi Kitano, Aya Kokumai.
“Takeshi Kitano fue la revelación de Cannes 1993 (…) El principal motor del universo de Kitano es la imprevisibilidad de cada plano, las bruscas rupturas de tono y de ritmo, los accesos de violencia o de risa, los cambios de escenario o de caracteres, que el realizador maneja con virtuosismo…” (Cahiers du Cinéma).
Sábado 2
A las 14.30 y 19.30 horas (96’; 35mm).
Felices juntos
(Cheun gwong tsa sit / Happy Together; Hong Kong, 1997)
Dirección: Wong Kar-wai.
Con Tony Leung, Leslie Cheung, Chang Chen.
“Una Buenos Aires mítica, mirada como nadie en nuestro cine, aún, la había mirado” (Leonardo M. D’Espósito en El Amante / Cine)
Premio al Mejor Director 1997.
A las 17 y 22 horas (115’; 35mm.)
La anguila
(Unagi; Japón, 1997)
Dirección: Shohei Imamura.
Con Koji Yakusho, Misa Shimizu.
Después de ocho años en la cárcel tras haber matado a su esposa, Takuro Yamashita sale en libertad condicional. Yamashita comprende que toda la lucha por convertirse en un hombre nuevo podría desmoronarse si su pasado es revelado. Sobre todo, teniendo en cuenta el interés de los excéntricos habitantes del pequeño pueblo, por conocer más de su nuevo peluquero.
Domingo 3 No hay función
Lunes 4
A las 17 y 22 horas (96’; 35mm.)
El odio
(La Haine; Francia; 1995)
Dirección: Mathieu Kassovitz
Con Vincent Cassel, Hubert Koundé, Saïd Taghmaoui.
Tras una noche de disturbios en un barrio marginal, tres amigos adolescentes, Vinz, Said y Hubert (un judío, un árabe inmigrante y un boxeador amateur marroquí), afrontan la muerte de un amigo árabe a manos de la policía. El deambular por la ciudad, la violencia entre bandas y los conflictos con la policía son las constantes a lo largo de veinticuatro horas de la vida de estos jóvenes. Premio a Mejor Director 1995.
A las 19.30 horas (124’; 35mm.)
Western
(Francia, 1997)
Dirección: Manuel Poirier
Con Sergi López, Sacha Bourdo, Élisabeth Vitali.
Paco y Nino viajan por la Bretaña Francesa en busca de algo parecido al amor. Paco es español, un auténtico conquistador al que no se le resiste ninguna mujer; Nino es un emigrante ruso, pequeño y un poco deslucido en lucha desesperada por lograr la atención de alguna mujer. Premio Especial del Jurado 1997.
Martes 5
A las 17 y 22 horas (105’; 35mm.)
Mi nombre es todo lo que tengo
(My Name is Joe; Reino Unido/Italia/Francia, 1998)
Dirección: Ken Loach.
Con Peter Mullan, Louise Goodall, David McKay
“Un ex alcohólico, que dirige un equipo amateur de fútbol, conoce a una asistente social, Sarah, que recorre los hogares de los desocupados y se hace cargo de los bebés y de las familias con dificultades. Es un film que trata de revelar todas las pequeñas tragedias que ocurren detrás de puertas y ventanas cerradas” (Ken Loach).
Premio al mejor actor para Peter Mullan
A las 19.30 horas (120’; 35mm.)
Velvet Goldmine
(Reino Unido/EE. UU., 1998)
Dirección: Todd Haynes.
Con Ewan McGregor, Jonathan Rhys-Meyers, Christian Bale.
“No se trata únicamente de una ficción sobre la época del glam rock, ni del retrato de la relación entre los sosías de David Bowie e Iggy Pop. A ese mundo de rimmel, lentejuelas, bisexualidad, exhibicionismo y hedonismo, Haynes le imprime una mirada oblicua y de una sutil complejidad” (Gustavo J. Castagna en El Amante / Cine).
Premio a la Contribución Artística 1998 para Todd Haynes.
Miércoles 6
A las 17 y 22 horas (78’; 35mm.)
Aprile
(Italia/Francia; 1998)
Dirección: Nanni Moretti
Con Nanni Moretti, Silvio Orlando, Silvia Nono.
“Aprile tiene dos vertientes. Una está forjada por las impresiones, opiniones y sentencias que pronuncia el italiano –que nunca deja de hablar– sobre asuntos diversos, mayormente el cine, la política y la paternidad. La otra vertiente es mucho más provechosa. Gira en torno del realizador y se nutre de los cuelgues que le impiden a Moretti concretar las películas que lo desvelan. Aquí Aprile no sólo tiene algo que sino materia para conmover al público”. (Guillermo Ravaschino en Cineismo).
A las 19.30 horas (128’, 35mm.)
Todo sobre mi madre
(España, 1999)
Dirección: Pedro Almodóvar.
Con Cecilia Roth, Marisa Paredes, Penélope Cruz.
“Todo sobre mi madre podría tener como divisa una frase famosa de una mujer, Mme. de Stäel, que dijo: ‘Comprenderlo todo es perdonarlo todo’. Esa es la filosofía según Pedro Almodóvar”
(Guillermo Cabrera Infante). Premio al mejor director 1999.
Jueves 7
A las 18 y 21 horas (155’; 35mm.)
El tiempo recobrado
(Le temps retrouvé, Francia/Italia, 1999)
Dirección: Raúl Ruiz.
Con Catherine Deneuve, Emmanuelle Béart, Vincent Perez, John Malkovich, Marie-France Pisier, Pascar Greggory, Marcello Mazzarella, Chiara Mastroianni.
La decisión de elegir el séptimo volumen de la obra, sin duda el menos narrativo y el más complejo de todo el ciclo novelístico, no es tanto un rasgo de audacia sino más bien una conclusión natural, tratándose de un cineasta como Ruiz. Bien observado, todo su cine parecía dirigido hacia este film —virtuosamente iluminado por el argentino Ricardo Aronovich— en el que cristalizan sus búsquedas acerca de la circularidad del tiempo y las estructuras concéntricas del relato.
Viernes 8
A las 17 y 22 horas (106’; 35mm.)
La niña santa
(Argentina, 2004)
Dirección: Lucrecia Martel.
Con Mercedes Morán, Carlos Belloso, María Alché.
“Hablo de religión, la católica que es la mía, porque es donde aprendí una forma de pensar. Un sistema de pensamiento que define una “naturaleza” para las cosas, y un sentido a la existencia. Un sistema que confía en que Dios ha dispuesto todo en forma de plan, ha organizado las cosas hacia un fin. Pero cuando, por distintos caminos, alguien llega a la conclusión que tal Arquitecto no existe, al menos en esos términos de “voluntad divina”, el mundo se revela en su misterio, en su injustificada existencia”. (Lucrecia Martel).
A las 19.30 horas (73’; 35mm.)
La libertad
(Argentina, 2001)
Dirección: Lisandro Alonso.
Con Misael Saavedra.
Misael vive en la inmensidad del monte pampeano trabajando con su hacha. Sobrevive sólo con lo indispensable y casi sin contacto con otras personas. Vemos su vida minuto a minuto intentando descubrir a través de pequeños movimientos o acciones su manera de estar en el mundo. La ópera prima de Lisandro Alonso descubrió una de las voces más talentosas y radicales del Nuevo Cine Argentino.
Sábado 9
A las 14.30 y 19.30 horas (119’; 35mm)
Saint-Cyr
(Francia, 2000)
Dirección: Patricia Mazuy.
Con Isabelle Huppert, Morgane Moré, Nina Meurisse.
En las postrimerías del siglo XVII, Anne de Grandcamp y Lucie de Fontenelle, dos pequeñas normandas, ingresan en el colegio de Saint-Cyr, creado por Madame de Maintenon para educar a las jóvenes de la nobleza arruinada por las guerras y convertirlas en mujeres libres. Film inédito en Argentina.
Premio de la Juventud 2000.
A las 17 y 22 horas (84’; 35mm.)
Prefiero el rumor del mar
(Preferisco il rumore del mare; Italia/Francia; 2000)
Dirección: Mimmo Calopresti.
Con Silvio Orlando, Michele Raso, Fabrizia Sacchi.
Luigi, un hombre de negocios de Turín, decide ayudar a Rosario, un pariente lejano que recientemente ha perdido a su madre y tiene a su padre en prisión. Usando sus influencias, logra que el chico sea trasladado a la ciudad. “Más allá de cierta placidez superficial, por debajo corren las inmensas diferencias entre los tres personajes. El conflicto entre el norte y el sur de Italia se encuentra en el centro de este film” (Senses of Cinema).
Domingo 10
A las 14.30 y 19.30 horas (95’, 35mm)
El niño
(L’Enfant; Bélgica/Francia, 2005)
Dirección: Jean-Pierre y Luc Dardenne.
Con Jérémie Renier, Déborah François, Jérémie Segard.
“Hay una solidez, una austeridad, una nobleza en El niño que son cada vez más infrecuentes en el cine de hoy. El dinero, siempre omnipresente, corriendo escaso de mano en mano; los espacios estrechos, asfixiantes; la discriminación larvada o manifiesta; expresan de manera transparente cómo es la cotidianidad en los márgenes, qué es lo que está todos los días en juego en los suburbios de la opulencia, y que no es otra cosa que la vida misma, sin anestesia” (Luciano Monteagudo en Página/12).
Palma de Oro 2005.
A las 17 y 22 horas (96’, 35mm).
Una historia violenta
(A History of Violence; Estados Unidos/Alemania, 2005)
Dirección: David Cronenberg.
Con Viggo Mortensen, Maria Bello, Ed Harris.
“Esta verdadera obra maestra, un film de arte disfrazado de thriller, parece celebrar la vida de pueblo chico a la vez que critica la violencia de las grandes ciudades, pero esta posición resulta ser muy engañosa: David Cronenberg es un moralista turbulento que avanza sobre conocidas mitologías para encontrar en ellas sus residuos más oscuros” (Jonathan Rosenbaum en The Chicago Reader).
"53 films que fueron hitos de Cannes y que confirman al festival francés como la más importante manifestación cinematográfica internacional. Desde el neorrealismo italiano hasta el nuevo cine alemán pasando por la nouvelle vague, todos los grandes movimientos del cine mundial tuvieron su eclosión en Cannes, a su vez plataforma de lanzamiento de grandes cineastas como Luis Buñuel, Ingmar Bergman, Alain Resnais, Werner Herzog, Shohei Imamura, Ermanno Olmi, Takeshi Kitano, Andrei Tarkovski y Wong Kar-wai, entre muchos otros."
El ciclo dura del 12 al 10 de Junio y las entradas cuestan $3 para estudiantes y la programación es buenísima. Dos pelis por día, una a las 17 y 22, y la otra a las 19.30. Vayan porque es una oportunidad única de ver clásicos en cine (excelennnte).
***AVISO IMPORTANTE***
Para poder sacar a precio de estudiantes hay que tener una credencial (maldita burocracia) que se retira de 10 a 16 en el CUARTO PISO DEL TEATRO SAN MARTÍN.
Sábado 12
A las 14.30 horas (104’; dvd)
En el corazon del festival
(Au Coeur du Festival; Francia, 2004)
Dirección: Gilles Jacob.
Cannes levanta el telón sobre su trastienda y sus secretos en un documento excepcional: tres mediometrajes dirigidos por Gilles Jacob, el presidente de la muestra, que recorren su historia con un elenco incomparable que va de Brigitte Bardot a Madonna pasando por Grace Kelly, Catherine Deneuve, Cary Grant, Ingrid Bergman, Jean-Pierre Léaud y Alain Delon, entre centenares de estrellas. Y la palabra y la imagen de Jean-Luc Godard, François Truffaut, Alfred Hitchcock, Charles Chaplin, Michelangelo Antonioni, Robert Bresson, Federico Fellini, Andrei Tarkovski, Roman Polanski, Marco Ferreri, Wong Kar Wai y decenas de grandes directores que pasaron por el festival.
A las 17 horas (100’;16mm.)
Roma, ciudad abierta
(Roma, città aperta, Italia, 1945)
Dirección: Roberto Rossellini.
Con Anna Magnani, Aldo Fabrizi.
El despertar del neorrealismo italiano, en la inmediata posguerra, presentó su película emblemática y film-faro del movimiento en la primera edición del Festival de Cannes, donde obtuvo en 1946 el Gran Premio del Jurado. Un film clave en la historia del cine.
A las 19.30 y 22 horas (85’; 35mm.)
Los olvidados
(México, 1950)
Dirección: Luis Buñuel.
Con Stella Inda, Alfonso Mejía, Miguel Inclán.
En el D.F. mexicano de los años 50, El Jaibo, un adolescente de los barrios bajos, vive una existencia marcada por la miseria y la falta de perspectivas. Junto a otros muchachos vive de pequeños asaltos hasta que un crimen cambia para siempre su vida. “La grandeza de esta película se percibe inmediatamente cuando caemos en la cuenta de que no se refiere nunca a categorías sociales.”
(André Bazin). Premio al Mejor Director en 1951.
Domingo 13
A las 14.30 horas (104’; dvd)
En el corazon del festival
(Au Coeur du Festival; Francia, 2004)
Dirección: Gilles Jacob.
A las 17 horas (90’; 35mm.)
Milagro en Milan
(Miracolo a Milano, Italia, 1951)
Dirección: Vittorio De Sica.
Con Emma Gramatica, Francesco Golisano, Paolo Stoppa.
Otro de los padres fundadores del neorrealismo italiano, Vittorio De Sica, gastó todo el dinero ganado con Ladrón de bicicletas para producir esta fábula poética sobre los pobres habitantes de un barrio periférico de Milán, que ganó el Gran Premio del Jurado en 1951.
A las 19.30 y 22 horas (97’; 35mm.)
Pasaron las grullas
(Letyat zhuravli, URSS, 1957)
Dirección: Mijaíl Kalatozov.
Con Tatiana Samoilova, Aleksei Batalov, Vasili Merkuriev.
Una feliz historia de amor se ve interrumpida por el estallido de la guerra y sus consecuencias en el frente interno: mercado negro, corrupción. De una belleza y una calidad técnica excepcional, la obra maestra del director de Soy Cuba es la primera película post-estalinista en la que la autocrítica es mostrada claramente. Palma de Oro 1958.
Lunes 14 No hay función
Martes 15
A las 17 y 22 horas (110’; 35mm).
El salario del miedo
(Le salaire de la peur, Francia, 1953)
Dirección: Henri-Georges Clouzot.
Con Yves Montand, Charles Vanel, Folco Lulli.
La aventura en estado puro. Un grupo de marginales debe transportar un convoy de camiones repletos de nitroglicerina por la ruta más peligrosa del mundo.
Gran Premio del Jurado y Mención Especial por su actuación a Charles Vanel.
A las 19.30 horas (100’; 16mm.)
Sangre de mi sangre
(House of strangers, EE.UU. 1949)
Dirección: Joseph L. Mankiewicz.
Con Edward G. Robinson, Susan Hayward.
Uno de los títulos menos conocidos de Joseph L. Mankiewicz, Sangre de mi sangre se acerca a un tema caro al cine estadounidense: el american dream y sus consecuencias afectivas en el seno de una familia de inmigrantes italianos.
Premio a la Interpretación Masculina para Edward G. Robinson.
Miércoles 16
A las 17 y 22 horas (96’; 35mm.)
El septimo sello
(Det Sjunde inseglet; Suecia, 1956)
Dirección: Ingmar Bergman.
Con Max von Sydow, Gunnar Björnstrand, Bibi Andersson.
El caballero sueco Antonius Block y su leal escudero regresan a su país, tras diez años de inútiles combates en las Cruzadas por Tierra Santa. Antes de morir, el caballero reta a la Muerte a una partida de ajedrez. Consagración de Bergman en Cannes, donde obtuvo el Premio Especial del Jurado en 1957.
A las 19.30 horas (100’; 16mm.)
Sonrisas de una noche de verano
(Sommarnattens leende; Suecia,1955)
Dirección: Ingmar Bergman.
Con Eva Dahlbeck, Gunnar Björnstrand, Ulla Jacobsson.
Bergman explora la gama completa del amor humano desde la adoración juvenil a la benevolencia fraternal, desde la pasión neurótica y vengativa a la fácil indulgencia de los apetitos, desde los caprichos infantiles a la resignación de la madurez.
Premio al Mejor Humor Poético 1956.
Jueves 17
A las 17 y 22 horas (90’; 35mm.)
Hiroshima mon amour
(Hiroshima mon amour, Francia, 1958)
Dirección: Alain Resnais.
Con Emmanuelle Riva, Eiji Okada, Stella Dassas.
Una francesa, que está filmando una película en Hiroshima, pasa la noche con un arquitecto japonés. La situación le recuerda al primer hombre que amó, un soldado alemán, durante la Segunda Guerra Mundial.
“Si solo se trata, como dice René Clair, de ‘contar una historia mediante imágenes’, una vez contadas todas las historias, el arte de la puesta en escena no puede evolucionar más. Pero si se trata de liberar al cine de esa necesidad, entonces queda todo por hacer y Resnais dio un gran paso con Hiroshima mon amour, una película sin argumento, emotiva y bella” (François Truffaut).
A las 19.30 horas (90’; 16mm.)
Los 400 golpes
(Les 400 coups, Francia, 1959)
Dirección: François Truffaut.
Con Jean-Pierre Léaud, Albert Remy.
La nouvelle vague hace su ingreso triunfal al Festival de Cannes. “Con Los 400 Golpes, François Truffaut entra a la vez al cine moderno y a las aulas de nuestra infancia (…) Para resumir, ¿qué puedo decir? Sinceridad. Rapidez. Arte. Novedad. Cine. Originalidad. Impertinencia. Rigor. Tragedia. Renovación. Ubú Rey. Fantasía. Afecto. Universalidad. Ternura.” (Jean–Luc Godard).
Premio al Mejor Director y Premio OCIC.
Viernes 18
A las 17 y 22 horas (90’; 35mm)
Viridiana
(España, 1960)
Dirección: Luis Buñuel.
Con Silvia Pinal, Fernando Rey, Francisco Rabal.
“Como de costumbre, la idea del film me vino por una primera imagen. Pensé en un hombre de edad avanzada que tenía entre sus manos a una joven narcotizada, completamente dormida, incapaz de resistírsele” (Luis Buñuel). Palma de Oro 1961.
A las 19.30 horas (90’; 35mm.)
El angel exterminador
(México, 1962)
Dirección: Luis Buñuel.
Con Silvia Pinal, Jacqueline Andere.
Un grupo de amigos de la alta burguesía mexicana no puede abandonar – sin motivo aparente – un salón donde se desarrolla una cena. Después de unos días de insólito cautiverio, las máscaras irán cayendo y la formalidad dejará paso al instinto animal.
“Más que en el caso de cualquier otro realizador, los films de Luis Buñuel mejoran con cada revisión. No sólo no empequeñecen, sino que aumentan su misterio, se tornan más fuertes y precisos” .
(Jacques Rivette)
Sábado 19
A las 14.30 horas (91’; 16mm.)
La mano en la trampa
(Argentina, 1961)
Dirección: Leopoldo Torre Nilsson.
Con Francisco Rabal, Elsa Daniel, María Rosa Gallo.
La curiosidad de una jovencita acerca de su tía encerrada en el altillo y ante un playboy maduro que le hará revivir la historia de su vida. “Hay en Torre Nilsson y Beatriz Guido una suerte de familiaridad con el secuestro entendido como fenómeno social. Sus obras poseen densidad y peso. Tendrán en Europa, tarde o temprano, el lugar que merecen desde hace tiempo” (Georges Sadoul). Premio de la Crítica (Fipresci).
A las 17 horas (62’; 35mm.)
La pasajera
(Pasazerka, Polonia, 1963)
Dirección: Andrzej Munk.
Con Alexandra Slaka, Anna Ciepielewska.
Liza, ex vigilante de las SS, cree reconocer a una antigua detenida del campo de concentración. “Todo el carácter especulativo que encierra el propio montaje de la película, realizado cuando su director ya había muerto y sin que hubiese terminado de filmarla, ayuda a dar cuerpo a una época y a un acontecimiento de los cuales no se puede tener más que una idea fragmentaria y quebradiza” (Hilario J.Rodríguez).
Mención Especial del Jurado 1964.
A las 19.30 y 22 horas (100’; 35mm.)
El eclipse
(L’Eclisse; Italia/Francia, 1962)
Dirección: Michelangelo Antonioni
Con Alain Delon, Monica Vitti, Francisco Rabal.
Ambientada en una Roma desconocida, que compartirá protagonismo como el espejo emocional del personaje interpretado por Monica Vitti, Antonioni construye una película con los temas centrales de su obra: la incomunicación de la pareja y la soledad.
Premio Especial del Jurado 1962.
Domingo 20
A las 14.30 horas (90’; 35mm.)
Los paraguas de Cherburgo
(Les parapluies de Cherbourg, Francia, 1964)
Dirección: Jacques Demy.
Con Catherine Deneuve, Nino Castelnuovo.
“La música es el elemento importante, conmovedor, lírico de una película contra la guerra, contra la ausencia, contra todo lo que uno detesta y que hace pedazos la felicidad.” (Jacques Demy)
Palma de Oro y Premio OCIC.
A las 18 y 21 horas (130’; 35mm.)
Las mil y una noches
(Il Fiore delle mille e una notte, Italia/Francia; 1974)
Con Ninetto Davoli, Franco Merli, Ines Pellegrini.
“Última entrega de la Trilogía de la Vida, Las mil y una noches ofrece un suntuoso viaje a través de palacios enjoyados, bazares laberínticos y dormitorios espejados. Rodada en locación en Nepal, Irán, Yemen y Etiopía, el film es una celebración desembozada de los poderes libertarios de la sexualidad. Asimismo, será recordado en la historia del cine como la primera película cuyas escenas de carnalidad son acompañadas por el sonido inconfundible de la risa, sin culpas freudianas o religiosas que las sofoquen” (Tony Rayns).
Gran Premio del Jurado 1974.
Lunes 21
A las 17 y 22 horas (95’; 35 mm.)
La religiosa
(La religieuse, Francia, 1966)
Dirección: Jacques Rivette.
Con Liselotte Pulver, Micheline Presle, Anna Karina.
París, 1757. Una joven llamada Suzanne (Anna Karina), única hija soltera de un prominente abogado, es obligada a tomar los votos de castidad en un convento. Film polémico en el momento de su estreno por su claro anticlericalismo y fuerte crítica a la corrupción de la institución religiosa, Rivette entrega en su segundo largometraje una adaptación de la novela de Diderot que apunta sus armas contra la sociedad patriarcal y la represión institucional.
A las 19.30 horas (90’; 35mm.)
Vidas secas
(Vidas secas; Brasil, 1963)
Dirección: Nelson Pereira dos Santos.
Con Atilia Dorio, Maria Ribeiro.
Film clave del cinema novo, Vidas secas representa un paso fundamental en la conquista de la representación del hombre brasileño en la pantalla, de su situación social y moral. Basado en la novela de Graciliano Ramos, Pereira dos Santos – uno de los padres fundadores del llamado Nuevo Cine Latinoamericano – sigue el proceso de pauperización del Nordeste brasileño, encarnado en la familia de Fabiano, un agricultor analfabeto, acosado por el hambre y la miseria.
Premio OCIC 1963.
Martes 22
A las 17 y 22 horas (102’; 35mm.)
La marquesa de O
(Francia, 1976)
Dirección: Eric Rohmer.
Con Edith Clever, Bruno Ganz.
Siglo XIX, Norte de Italia. La marquesa de O es una hermosa y joven viuda que vive con sus padres. Durante el asedio de la ciudad por parte de las tropas rusas, la Marquesa sufre un intento de violación, pero es salvada por la intervención de un apuesto caballero. Meses después, inexplicablemente, está embarazada. “Uno de los films más hermosos de Rohmer.” (Jacques Rivette).Gran Premio del Jurado 1976.
A las 19.30 horas (90’; 16mm).
Mi noche con Maud
(Ma nuit chez maud, Francia; 1968)
Dirección: Eric Rohmer.
Con Jean-Louis Trintignant, Françoise Fabian, Antoine Vitez.
Jean-Louis, ingeniero católico de treinta años, conoce a la salida de misa a una mujer rubia, Françoise, y presiente que algún día será su mujer, pero la pierde entre la multitud. Tras reencontrarse con su viejo amigo Vidal, marxista convencido, éste lo lleva a casa de Maud, una bella morocha divorciada. El más famoso de los Seis Cuentos morales de Rohmer.
Miércoles 23
A las 17 y 22 horas (109’; 35mm).
El enigma de Kaspar Hauser
(Jeder für sich und Gott gegen alle, Alemania, 1974)
Dirección: Werner Herzog.
Con Bruno S., Walter Ladengast, Brigitte Mira.
“Hoy en día podría repetirse el caso de Kaspar, ya que seguimos viviendo en una sociedad burguesa semejante a la alemana de 1828. Esta sociedad no permitíría a Kaspar vivir en ella. Él sufriría el mismo calvario, los mismos padecimientos. Lo que tanto molesta a la gente de Kaspar es que sea un ser humano absolutamente intacto. Es como si un hombre hubiera llegado de otro planeta y aterrizado un día en la Tierra. ¿Qué clase de criatura sería?”. (Werner Herzog).
Gran Premio del Jurado y Premio de la Crítica 1975.
A las 19.30 horas (135’; 35mm.)
La flauta magica
(Trollflöjten; Suecia, 1974)
Dirección: Ingmar Bergman.
Con Joseph Köstingler, Irma Urrila.
“Dada la doble actividad de Bergman en los campos teatral y cinematográfico, era de esperar que en algún momento se decidiera a mezclar ambas disciplinas. La elección de Bergman para llevar a cabo este experimento no fue una obra de teatro al uso, sino una ópera. En cualquier caso, La flauta mágica es una obra de música alegre y desenfadada que parece ubicarse en el extremo opuesto de su cine, áspero, amargo y trascendente” (Alfredo Garmendia).
Jueves 24
A las 17 y 22 horas (104’; 35mm.)
El imperio de la pasion
(Ai no borei; Japón, 1978)
Dirección: Nagisa Oshima.
Con Tatsuya Fuji, Kazuko Yoshiyuji, Takahiro Tamura.
La hermosa Seki conoce un día a un apuesto joven llamado Toyoki. Con su ayuda mata a su marido y lo arroja a un pozo. Se han librado de este hombre pero no de su “fantasma”, quien no abandonará sus vidas hasta que confiesen su crimen. “El sexo y el crimen son los dos impulsos más violentos del ser humano.” (Nagisa Oshima).
Premio Mejor Director 1978.
A las 19.30 horas (110’; 35mm.)
Padre Padrone
(Padre padrone, Italia, 1976)
Dirección: Paolo y Vittorio Taviani.
Con Omero Antonutti, Saverio Marconi.
Una mirada crítica sobre la realidad a partir de la historia verídica de un campesino sardo que de niño debe sobreponerse a la brutalidad a la que lo somete su padre, y de adulto deberá abrirse camino por sí mismo en una sociedad en permanente cambio.
Palma de Oro 1976.
Viernes 25 No hay función
Sábado 26
A las 14.30 y 19.30 horas (250’; 35mm.)
Novecento
(Novecento, Italia, 1974-1975)
Dirección: Bernardo Bertolucci
Con Gérard Depardieu, Robert De Niro, Donald Sutherland.
La lucha de clases alcanza una dimensión operística en el film más ambicioso de Bertolucci, que propone un enfrentamiento épico entre una familia de terratenientes y otra de campesinos, a partir del despertar del siglo XX. Se exhibirá el film completo (partes Uno y Dos) en cada función.
Domingo 27
A las 14.30 y 19.30 horas (170’; 35mm.)
El Arbol de los zuecos
(L’albero degli zoccoli, Italia, 1978)
Dirección: Ermanno Olmi.
Con Luigi Ornaghi, Francesca Moriggi, Omar Brignoli.
Este bellísimo fresco de la vida campesina a comienzos del siglo XX describe la parábola de una sacrificada familia de labriegos que hace todo lo que está a su alcance para que uno de sus hijos tenga la posibilidad de estudiar.
Palma de Oro 1978 y Premio del Jurado Ecuménico.
Lunes 28
A las 17 y 22 horas (92’; 16mm.)
Relampago sobre el agua
(Nick’s Film – Lighting Over Water, Alemania, 1981)
Dirección: Wim Wenders y Nicholas Ray.
Wim Wenders conoció a Nicholas Ray en 1976, durante el rodaje de El Amigo Americano. “Sabía que quería trabajar y morir trabajando”, dice Wim Wenders en la película. Ray hace referencia a los distintos artistas que aparecieron en sus películas. Gracias a su colaboración con Wenders, Ray convirtió su muerte en una obra de arte.
A las 19.30 horas (130’; 35mm.)
El tambor
(Die Blechtrommel; Alemania/Francia, 1979)
Dirección: Volker Schlöndorff.
Con Mario Adorf, Angela Winkler, David Bennent.
Canónica versión de la novela El tambor de hojalata de Günther Grass. El niño Oskar decide dejar de crecer el mismo año en que comienza la curva ascendente de Hitler. Lo que el film expone metafóricamente del nazismo es su funcionamiento en la gente común, en esas fuerzas sociales que intervinieron en el ascenso y apogeo del Führer.
Palma de Oro 1979.
Martes 29
A las 17 horas (110’; 35mm.)
La tercera generacion
(Die dritte Generation, Alemania Federal, 1979)
Dirección: Rainer Werner Fassbinder.
Con Volker Spengler, Bulle Ogier.
“Una comedia en seis partes sobre los juegos de sociedad, llena de intriga, provocación y lógica, crueldad y locura, parecida a los cuentos que se cuentan a los niños para ayudarles a soportar su vida de enterrados vivos.” (R.W. Fassbinder).
A las 20 horas (160’; 35mm.)
Kagemusha, la sombra del guerrero
(Kagemusha, Japón, 1980)
Dirección: Akira Kurosawa.
Con Tatsuya Nakadai, Tsutomu Yamazaki.
Japón, Siglo XVI. Un ladrón, que estaba a punto de ser ejecutado, salva su vida convirtiéndose en el doble de un señor feudal que acaba de morir en secreto y cuyos dominios son amenazados. El gran Akira Kurosawa hace que esa sombra se agigante y termine encarnando al verdadero espíritu del Shogun.
Palma de Oro 1980.
Miércoles 30
A las 17 horas (150’; 35mm.)
Stalker, la zona
(URSS, 1979)
Dirección: Andrei Tarkovski.
Con Alexander Kaidanovski, Nikolai Grinko, Anatoli Solonitsin.
“Adaptando libremente una novela de ciencia ficción de los hermanos Strugatsky, Tarkovski imagina que al cabo de un accidente misterioso, una parte del planeta se ha vuelto distinta, peligrosa y que se impide su acceso. La zona es esta parte maldita, vuelta al estado salvaje, reserva de fantasmas (…) Stalker es una fábula metafísica, un curso moral, una lección de fe, una reflexión sobre los fines últimos, una búsqueda…”. (Serge Daney)
Premio del Jurado Ecuménico 1980.
A las 20 horas (128’; 35mm.)
La balada de Narayama
(Narayama bushiko, Japón, 1983)
Dirección: Shohei Imamura.
Con Ken Ogata, Sumiko Sakamoto.
Crudo relato de los campesinos olvidados por la civilización, representantes de un pasado atávico empeñado en subyacer por debajo de la ordenada superficie de una sociedad tecnocrática.
Palma de Oro 1983.
Jueves 31
A las 17 y 22 horas (90’, 35mm.)
Nouvelle vague
(Nouvelle vague, Francia, 1990)
Dirección: Jean-Luc Godard.
Con Alain Delon, Domiziana Giordano, Roland Amstutz.
Si, como dice Danièle Hibon, “el cine contemporáneo se encuentra aún en busca de una nueva relación entre la narración y la abstracción”, Nouvelle vague no hace sino llevar hasta las últimas consecuencias esa tensión todavía no resuelta. En un film que prácticamente no tiene historia en el sentido convencional del término, esa sucesión de monólogos que se dicen los personajes unos a otros adquieren valor no necesariamente como significado sino en todo caso como abstracción, como una nota musical.
A las 19.30 horas (120’, dvd)
Los silencios del palacio
(Samt el qusur; Túnez/Francia, 1994)
Dirección: Moufida Tlatli.
Con Amel Hedhili, Najia Ouerghi, Hend Sabri.
A los 25 años, la joven Alia está decidida a romper con todo. Con su trabajo como cantante de bodas y con su pareja, Lotfi, un hombre junto al que ha convivido diez años, pero que la obliga a deshacerse del hijo que espera. Encarada a una nueva situación, regresará a la memoria de su infancia, al palacio donde se crió junto a su madre, una sirvienta, y a la evocación de un padre desconocido, que bien pudiera ser el príncipe dueño de dicho palacio. Mención Especial de la Cámara de Oro 1994.
Viernes 1
A las 17 horas (141’, 35mm)
Secretos y mentiras
(Secrets & Lies, Reino Unido/Francia, 1996)
Dirección: Mike Leigh.
Con Brenda Blethyn, Timothy Spall, Phyllis Logan.
Al morir sus padres adoptivos, una joven negra de Londres siente la necesidad de conocer a su madre natural, quien la diera en adopción al nacer. Ésta resulta ser una mujer blanca, madre de otros dos hijos. Consagración del director británico Mike Leigh.
Palma de Oro 1996 y Premio Mejor Actriz a Brenda Blethyn.
A las 19.30 y 22 horas (94’; 35mm.)
Sonatine
(Sonachine; Japón, 1993)
Dirección: Takeshi Kitano.
Con Takeshi Kitano, Aya Kokumai.
“Takeshi Kitano fue la revelación de Cannes 1993 (…) El principal motor del universo de Kitano es la imprevisibilidad de cada plano, las bruscas rupturas de tono y de ritmo, los accesos de violencia o de risa, los cambios de escenario o de caracteres, que el realizador maneja con virtuosismo…” (Cahiers du Cinéma).
Sábado 2
A las 14.30 y 19.30 horas (96’; 35mm).
Felices juntos
(Cheun gwong tsa sit / Happy Together; Hong Kong, 1997)
Dirección: Wong Kar-wai.
Con Tony Leung, Leslie Cheung, Chang Chen.
“Una Buenos Aires mítica, mirada como nadie en nuestro cine, aún, la había mirado” (Leonardo M. D’Espósito en El Amante / Cine)
Premio al Mejor Director 1997.
A las 17 y 22 horas (115’; 35mm.)
La anguila
(Unagi; Japón, 1997)
Dirección: Shohei Imamura.
Con Koji Yakusho, Misa Shimizu.
Después de ocho años en la cárcel tras haber matado a su esposa, Takuro Yamashita sale en libertad condicional. Yamashita comprende que toda la lucha por convertirse en un hombre nuevo podría desmoronarse si su pasado es revelado. Sobre todo, teniendo en cuenta el interés de los excéntricos habitantes del pequeño pueblo, por conocer más de su nuevo peluquero.
Domingo 3 No hay función
Lunes 4
A las 17 y 22 horas (96’; 35mm.)
El odio
(La Haine; Francia; 1995)
Dirección: Mathieu Kassovitz
Con Vincent Cassel, Hubert Koundé, Saïd Taghmaoui.
Tras una noche de disturbios en un barrio marginal, tres amigos adolescentes, Vinz, Said y Hubert (un judío, un árabe inmigrante y un boxeador amateur marroquí), afrontan la muerte de un amigo árabe a manos de la policía. El deambular por la ciudad, la violencia entre bandas y los conflictos con la policía son las constantes a lo largo de veinticuatro horas de la vida de estos jóvenes. Premio a Mejor Director 1995.
A las 19.30 horas (124’; 35mm.)
Western
(Francia, 1997)
Dirección: Manuel Poirier
Con Sergi López, Sacha Bourdo, Élisabeth Vitali.
Paco y Nino viajan por la Bretaña Francesa en busca de algo parecido al amor. Paco es español, un auténtico conquistador al que no se le resiste ninguna mujer; Nino es un emigrante ruso, pequeño y un poco deslucido en lucha desesperada por lograr la atención de alguna mujer. Premio Especial del Jurado 1997.
Martes 5
A las 17 y 22 horas (105’; 35mm.)
Mi nombre es todo lo que tengo
(My Name is Joe; Reino Unido/Italia/Francia, 1998)
Dirección: Ken Loach.
Con Peter Mullan, Louise Goodall, David McKay
“Un ex alcohólico, que dirige un equipo amateur de fútbol, conoce a una asistente social, Sarah, que recorre los hogares de los desocupados y se hace cargo de los bebés y de las familias con dificultades. Es un film que trata de revelar todas las pequeñas tragedias que ocurren detrás de puertas y ventanas cerradas” (Ken Loach).
Premio al mejor actor para Peter Mullan
A las 19.30 horas (120’; 35mm.)
Velvet Goldmine
(Reino Unido/EE. UU., 1998)
Dirección: Todd Haynes.
Con Ewan McGregor, Jonathan Rhys-Meyers, Christian Bale.
“No se trata únicamente de una ficción sobre la época del glam rock, ni del retrato de la relación entre los sosías de David Bowie e Iggy Pop. A ese mundo de rimmel, lentejuelas, bisexualidad, exhibicionismo y hedonismo, Haynes le imprime una mirada oblicua y de una sutil complejidad” (Gustavo J. Castagna en El Amante / Cine).
Premio a la Contribución Artística 1998 para Todd Haynes.
Miércoles 6
A las 17 y 22 horas (78’; 35mm.)
Aprile
(Italia/Francia; 1998)
Dirección: Nanni Moretti
Con Nanni Moretti, Silvio Orlando, Silvia Nono.
“Aprile tiene dos vertientes. Una está forjada por las impresiones, opiniones y sentencias que pronuncia el italiano –que nunca deja de hablar– sobre asuntos diversos, mayormente el cine, la política y la paternidad. La otra vertiente es mucho más provechosa. Gira en torno del realizador y se nutre de los cuelgues que le impiden a Moretti concretar las películas que lo desvelan. Aquí Aprile no sólo tiene algo que sino materia para conmover al público”. (Guillermo Ravaschino en Cineismo).
A las 19.30 horas (128’, 35mm.)
Todo sobre mi madre
(España, 1999)
Dirección: Pedro Almodóvar.
Con Cecilia Roth, Marisa Paredes, Penélope Cruz.
“Todo sobre mi madre podría tener como divisa una frase famosa de una mujer, Mme. de Stäel, que dijo: ‘Comprenderlo todo es perdonarlo todo’. Esa es la filosofía según Pedro Almodóvar”
(Guillermo Cabrera Infante). Premio al mejor director 1999.
Jueves 7
A las 18 y 21 horas (155’; 35mm.)
El tiempo recobrado
(Le temps retrouvé, Francia/Italia, 1999)
Dirección: Raúl Ruiz.
Con Catherine Deneuve, Emmanuelle Béart, Vincent Perez, John Malkovich, Marie-France Pisier, Pascar Greggory, Marcello Mazzarella, Chiara Mastroianni.
La decisión de elegir el séptimo volumen de la obra, sin duda el menos narrativo y el más complejo de todo el ciclo novelístico, no es tanto un rasgo de audacia sino más bien una conclusión natural, tratándose de un cineasta como Ruiz. Bien observado, todo su cine parecía dirigido hacia este film —virtuosamente iluminado por el argentino Ricardo Aronovich— en el que cristalizan sus búsquedas acerca de la circularidad del tiempo y las estructuras concéntricas del relato.
Viernes 8
A las 17 y 22 horas (106’; 35mm.)
La niña santa
(Argentina, 2004)
Dirección: Lucrecia Martel.
Con Mercedes Morán, Carlos Belloso, María Alché.
“Hablo de religión, la católica que es la mía, porque es donde aprendí una forma de pensar. Un sistema de pensamiento que define una “naturaleza” para las cosas, y un sentido a la existencia. Un sistema que confía en que Dios ha dispuesto todo en forma de plan, ha organizado las cosas hacia un fin. Pero cuando, por distintos caminos, alguien llega a la conclusión que tal Arquitecto no existe, al menos en esos términos de “voluntad divina”, el mundo se revela en su misterio, en su injustificada existencia”. (Lucrecia Martel).
A las 19.30 horas (73’; 35mm.)
La libertad
(Argentina, 2001)
Dirección: Lisandro Alonso.
Con Misael Saavedra.
Misael vive en la inmensidad del monte pampeano trabajando con su hacha. Sobrevive sólo con lo indispensable y casi sin contacto con otras personas. Vemos su vida minuto a minuto intentando descubrir a través de pequeños movimientos o acciones su manera de estar en el mundo. La ópera prima de Lisandro Alonso descubrió una de las voces más talentosas y radicales del Nuevo Cine Argentino.
Sábado 9
A las 14.30 y 19.30 horas (119’; 35mm)
Saint-Cyr
(Francia, 2000)
Dirección: Patricia Mazuy.
Con Isabelle Huppert, Morgane Moré, Nina Meurisse.
En las postrimerías del siglo XVII, Anne de Grandcamp y Lucie de Fontenelle, dos pequeñas normandas, ingresan en el colegio de Saint-Cyr, creado por Madame de Maintenon para educar a las jóvenes de la nobleza arruinada por las guerras y convertirlas en mujeres libres. Film inédito en Argentina.
Premio de la Juventud 2000.
A las 17 y 22 horas (84’; 35mm.)
Prefiero el rumor del mar
(Preferisco il rumore del mare; Italia/Francia; 2000)
Dirección: Mimmo Calopresti.
Con Silvio Orlando, Michele Raso, Fabrizia Sacchi.
Luigi, un hombre de negocios de Turín, decide ayudar a Rosario, un pariente lejano que recientemente ha perdido a su madre y tiene a su padre en prisión. Usando sus influencias, logra que el chico sea trasladado a la ciudad. “Más allá de cierta placidez superficial, por debajo corren las inmensas diferencias entre los tres personajes. El conflicto entre el norte y el sur de Italia se encuentra en el centro de este film” (Senses of Cinema).
Domingo 10
A las 14.30 y 19.30 horas (95’, 35mm)
El niño
(L’Enfant; Bélgica/Francia, 2005)
Dirección: Jean-Pierre y Luc Dardenne.
Con Jérémie Renier, Déborah François, Jérémie Segard.
“Hay una solidez, una austeridad, una nobleza en El niño que son cada vez más infrecuentes en el cine de hoy. El dinero, siempre omnipresente, corriendo escaso de mano en mano; los espacios estrechos, asfixiantes; la discriminación larvada o manifiesta; expresan de manera transparente cómo es la cotidianidad en los márgenes, qué es lo que está todos los días en juego en los suburbios de la opulencia, y que no es otra cosa que la vida misma, sin anestesia” (Luciano Monteagudo en Página/12).
Palma de Oro 2005.
A las 17 y 22 horas (96’, 35mm).
Una historia violenta
(A History of Violence; Estados Unidos/Alemania, 2005)
Dirección: David Cronenberg.
Con Viggo Mortensen, Maria Bello, Ed Harris.
“Esta verdadera obra maestra, un film de arte disfrazado de thriller, parece celebrar la vida de pueblo chico a la vez que critica la violencia de las grandes ciudades, pero esta posición resulta ser muy engañosa: David Cronenberg es un moralista turbulento que avanza sobre conocidas mitologías para encontrar en ellas sus residuos más oscuros” (Jonathan Rosenbaum en The Chicago Reader).
sábado, 14 de abril de 2007
Qué más vimos?
vimos El hombre Robado, Martes Negro, Kai-On, Cabeza de Chancho, Fabricando a Tom Zé, Street Thief, Hana, Cours du soir, y, en general, gustaron.
El hombre robado (Matías Piñeiro - 90'): 5
Esta película aburrida recuerda en su fotografía, lo único bueno, a algo francés, como dice el programita del BAFICI (nouvelle vague), pero tonto y sin alcance. La historia es muy simple y los diálogos totalmente acartonados. La relación con los próceres argentinos es irrelevante, como la películla, y el simbolismo del final parece un intento inútil de sacar algo bueno de una película que no vale la pena ver.
Martes Negro (Hugo Fregonese - 80'): 9
Aunque la programación la traduce como "Martes trágico", se llama Black Tuesday y nos gusta así. Nos gusta así porque es negra, aunque también es trágica, pero es sobre todo una historia bien negra y sin suavidad. Criminales que se escapan de la cárcel, matando sin miramientos a enemigos y compañeros, contra policías que hacen lo mismo, en una peli policial como se debe, retoño del cine negro y elegida en Francia como la mejor película de la historia del género.
Kai-On (Oku Shutaro - 74'): 7
Una película rara y muy japonesa sobre drogas y chicas conflictuadas. Sin enfocar los problemas desde la típica visión del adolescente conflictuado, aunque lo sean, la película habla, en lugar de sus personajes, con sus secuencias lisérgicas que acompañan el constante drogarse de estas jóvenes. La música es la otra gran presencia, así como el montaje y las propias deficiencias de la cámara. Extraña.
Cabeza de Chancho (Pablo Almirón - 73'): 8
Esta película nos alegra con algo del cine argentino más raro. La amistad y las drogas se tratan con naturalidad y comicidad. Es clase B y es ridícula. Se parece al Peter Jackson de "Mal Gusto" mezclado con John Waters y Alex de la Iglesia, pero es argentino, correntina, como la cena que hacen, la amistad que tienen y el final graciosísimo.
Street Thief (Malik Bader - 86'): 9
Creo que es la mejor película que vi en el festival. Además de ser divertida, atrapante y muy buena, tiene la premisa más interesante de todas (luchando con la de las cámaras repartidas entre Chinos cualesquiera) y está llevada de la mejor manera. Para los que se preguntan cómo pueden pasar una peli en cuyos directores entran por la fuerza, acompañando a un ladrón de cajas fuertes, en un CINEMARK, veanla porque el final es aterrador.
Hana (Hirokazu Kore-eda - 127'): 8
Leímos "samurais" y "venganza" y pensamos que iba a ser de piñas. De las buenas, con belleza japonesa y espadas. Nos cruzamos con una película de samurais pacifista. Sin embargo, es muy graciosa y entradora, aunque pueder resultar un poco larga.
Fabricando Tom Zé (Décio Matos Jr. - 90'): 8
Escuchar a Tom Zé es una recomendación inevitable y este documental da ganas. Se descubre al instante que los realizadores son seguidores y, además del material viejo y los fragmentos de recitales, se disfruta y emociona la lucidez del músico de 70 años que pasó por el Tropicalismo y fue redescubierto por David Byrne.
Soigne ton gauche/L'ecole des facteurs/Cours du Soir (René Clement/Jacques Tati/Nicolas Ribowski - 68' [20'/18'/30']): 8
En el marco de la retrospectiva, como pasó con Fregonese, se ven cosas de lo más interesantes como estás películas donde Jacques Tati despliega su humor. En orden de importancia, el corto de Ribowski, con Tati como profesor de una escuela nocturna delirante, es el mejor, aunque los otros dos son tremendamente divertidos.
El hombre robado (Matías Piñeiro - 90'): 5
Esta película aburrida recuerda en su fotografía, lo único bueno, a algo francés, como dice el programita del BAFICI (nouvelle vague), pero tonto y sin alcance. La historia es muy simple y los diálogos totalmente acartonados. La relación con los próceres argentinos es irrelevante, como la películla, y el simbolismo del final parece un intento inútil de sacar algo bueno de una película que no vale la pena ver.
Martes Negro (Hugo Fregonese - 80'): 9
Aunque la programación la traduce como "Martes trágico", se llama Black Tuesday y nos gusta así. Nos gusta así porque es negra, aunque también es trágica, pero es sobre todo una historia bien negra y sin suavidad. Criminales que se escapan de la cárcel, matando sin miramientos a enemigos y compañeros, contra policías que hacen lo mismo, en una peli policial como se debe, retoño del cine negro y elegida en Francia como la mejor película de la historia del género.
Kai-On (Oku Shutaro - 74'): 7
Una película rara y muy japonesa sobre drogas y chicas conflictuadas. Sin enfocar los problemas desde la típica visión del adolescente conflictuado, aunque lo sean, la película habla, en lugar de sus personajes, con sus secuencias lisérgicas que acompañan el constante drogarse de estas jóvenes. La música es la otra gran presencia, así como el montaje y las propias deficiencias de la cámara. Extraña.
Cabeza de Chancho (Pablo Almirón - 73'): 8
Esta película nos alegra con algo del cine argentino más raro. La amistad y las drogas se tratan con naturalidad y comicidad. Es clase B y es ridícula. Se parece al Peter Jackson de "Mal Gusto" mezclado con John Waters y Alex de la Iglesia, pero es argentino, correntina, como la cena que hacen, la amistad que tienen y el final graciosísimo.
Street Thief (Malik Bader - 86'): 9
Creo que es la mejor película que vi en el festival. Además de ser divertida, atrapante y muy buena, tiene la premisa más interesante de todas (luchando con la de las cámaras repartidas entre Chinos cualesquiera) y está llevada de la mejor manera. Para los que se preguntan cómo pueden pasar una peli en cuyos directores entran por la fuerza, acompañando a un ladrón de cajas fuertes, en un CINEMARK, veanla porque el final es aterrador.
Hana (Hirokazu Kore-eda - 127'): 8
Leímos "samurais" y "venganza" y pensamos que iba a ser de piñas. De las buenas, con belleza japonesa y espadas. Nos cruzamos con una película de samurais pacifista. Sin embargo, es muy graciosa y entradora, aunque pueder resultar un poco larga.
Fabricando Tom Zé (Décio Matos Jr. - 90'): 8
Escuchar a Tom Zé es una recomendación inevitable y este documental da ganas. Se descubre al instante que los realizadores son seguidores y, además del material viejo y los fragmentos de recitales, se disfruta y emociona la lucidez del músico de 70 años que pasó por el Tropicalismo y fue redescubierto por David Byrne.
Soigne ton gauche/L'ecole des facteurs/Cours du Soir (René Clement/Jacques Tati/Nicolas Ribowski - 68' [20'/18'/30']): 8
En el marco de la retrospectiva, como pasó con Fregonese, se ven cosas de lo más interesantes como estás películas donde Jacques Tati despliega su humor. En orden de importancia, el corto de Ribowski, con Tati como profesor de una escuela nocturna delirante, es el mejor, aunque los otros dos son tremendamente divertidos.
martes, 10 de abril de 2007
El asaltante
Así se llama la película de Pablo Fendrik (67') que ayer debutó en el BAFICI, su primera película, y que es, sin lugar a dudas, algo del mejor material argentino en el festival. Thiller en tiempo real (dentro de los límites que aceptamos como tiempo real) sobre un hombre que entra a robar a una escuela privada y su acelerada carrera por la ruidosa capital, por primera vez un acierto en el folleto, un "raid" furioso que la cámara sigue hasta quedarse sin aliento, a pocos milimetros de la mente inescrutable del perpetrador, en secuencias de larga duración y alta adrenalina. La tensión se construye casi sin elementos, basada absolutamente en el movimiento perpetuo y acelerado de un brillantísimo Arturo Goetz, me da miedo no decir "genial", y su aventura. Cierta escena en una plaza, se nos presenta casi como una burla a nuestra sensación de tensión extrema mientras seguimos a este criminal enigmático, presentida por el director que se presenta con calma y seguridad a una película o a una ronda de preguntas, como ocurrió en la función del martes, donde con gracia y sequedad le hizo frente a una masa amenazante de preguntas tontas.
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